Как эпоха возрождения изменила развитие искусства

Эпоха, которая принесла миру множество открытий, стала синонимом культурного прорыва и неотъемлемой частью всеобщего просвещения, носит название Возрождение, или Ренессанс. Она пришла на смену Средневековью и послужила основанием для ярких открытий, развитию науки и технологии.

Что такое эпоха Возрождения

Культурный расцвет, время открытий и переосмысления, формирования «Золотого фонта» всемирной истории и культуры, появление новых имен в живописи, архитектуре, музыке – все это Возрождение.

Эпоха охватывает 3 столетия, благодаря чему мир приобрел такие имена, как:

• Леонардо да Винчи.
• Джорджоне.
• Боттичелли.
• Рафаэль.
• Никола Пизано.
• Арнольфо ди Камбио.
• Тициан.
• Микеланджело

В этот период культура получила качественное перерождение. Средневековые каноны с их мрачностью уступили место гуманистическому, светскому и реалистичному направлениям. В основе Ренессанса лежит интерес к идеалам античности. Качественные преобразования повлияли на становление культуры и искусства во всех странах Европы.

Изменения затронули не только направление прекрасного, повлияли они и на мировоззрение человека и общества. Рухнувшие оковы средневековых взглядов позволили посмотреть на мир под другим углом, увидеть возможности для развития и совершенствования. Именно поэтому каждый монарх считал своим долгом поддерживать художников, музыкантов и скульпторов. Основной стала идеи совершенствования, развития, познания и открытий.

Периоды

Зарождение – XIV век, страна – Италия. Исследователи и ученые не могут определиться с точными временными рамками эпохи. Каждый период приблизительный, поскольку страны входили в Ренессанс постепенно. Связано это с отставанием в социально-экономическом развитии, различиями во взглядах и суждениях.

Примерными датами можно назвать XIV- XVI столетия. Годы эпохи Возрождения характеризуются проявлением светского характера культуры. Религиозные взгляды уступают место гуманизации.

Возрождается интерес к античности и всему, что с ним связано. Внедрение в европейский мир античных элементов привнесло в культуру и искусство яркие мотивы, которые и сделали произведения незабываемыми. В это время появляется человек эпохи Возрождения – целеустремленный, вдохновленный, стремящийся к открытиям.

Начальные признаки эпохи Ренессанса стали заметны обществу ему в XIII-XIV веках, но твердые позиции появились в 20-х годах XV века. В Эпохе Возрождения принято выделять 4 основных периода:

• Проторенессанс.
• Раннее Возрождение.
• Высокое Возрождение.
• Поздний Ренессанс.

В каждом периоде появлялись новые веяния и стремления, позволяющие совершенствоваться и развиваться.

Проторенессанс – период, который относится к XIII-XIV векам. Появление отмечено в Италии.

Время подготовки к Возрождению подразделяется на еще 2 подэтапа – время жизни и смерти ключевой фигуры истории западного искусства, архитектора и художника Джотто ди Бондоне. В этот период на искусство оказывали влияние средневековые мотивы – готика и романтизм, а также византийские традиции.

Бурное развитие было остановлено эпидемией чумы, которая накрыла все Европу. Джотто был первым, кто наметил основные тенденции живописи, указал путь, по которому в дальнейшем пошло основное развитие Ренессанса.

Следующим был период раннего Возрождения. Примерное время развития – 80 лет. Ученые относят к нему 1420-1500 годы. В искусстве еще прослеживались веяния средневековой культуры и традиций. Одновременно активно добавляют элементы, позаимствованные у классической древности – Античности.

Условия социальной среды, взгляды и стремления быстро меняются. Основной концепцией в искусстве становятся именно античные элементы. Главной личностью, мастером на этом этапе стал живописец Мазаччо, рожденный во Флоренции. Взяв за основу идеи и взгляды предшественников, он принес в свое творчество практически осязаемую скульптурность фигур и образов на холстах картин.

Следующий этап — период высокого Возрождения. Считается пиком Ренессанса. Время – 1500-1527 годы. Развитие культуры позволило перенести центр культуры из Флоренции в Рим. Скачок произошел благодаря вступлению на престол нового Папы Римского — Юлия II.

У него были смелые и прогрессивные взгляды, которые позволили в полной мере способствовать расцвету Ренессанса. Благодаря предприимчивости, присутствующей в характере, ему удалось привлечь в Рим ведущих художников и скульпторов со всей Италии. Именно в это время появляются шедевры, которые изменят мир искусства.

Следующий этап – позднее Возрождение. Его временной отрезок 1530-1620 годы. Развитие культуры и искусства в этот период протекает неоднородно и разнообразно. Исследователи и искусствоведы спорят и не могут определиться с основными направлениями в развитии и точными датами.

Часть специалистов указывает, что эпоха Возрождения окончательно угасла с падением Рима. Южная часть Европы погрузилась в Контрреформацию, которая не позволила мыслить свободно и смело, как того требовало Возрождение.

На позднем этапе Ренессанса наблюдался выраженный кризис идей. Возникали противоречия в мировоззрении, которые переросли в маньеризм. Возникший стиль специалисты характеризуют дисгармонией и надуманностью, потерей равновесия между духовной и телесной составляющей, которая была свойственна смелой эпохе новых устремлений.

В Венеции творили Тициан и Палладио. Их произведения не затронули противоречия кризис во взглядах. Увидеть, как смотрели на мир мастера можно на полотне Тициана «Изабелла Португальская».

Человек эпохи Возрождения

Стремительное развитие эпохи Возрождения отразилось и на человеке. Пик расцвета культуры отразился и в обществе. Термин был внедрен Джорджо Визари. Ренессанс положил начало активному развитию науки, торговли и взаимоотношениям между соседними странами.

Замкнутое Средневековье осталось в прошлом, люди с надеждой смотрели в будущее. Благодаря этому их взгляды на происходящее и мировоззрение в целом изменились. Яркая эпоха итальянского Возрождения распространяла свое влияние на всю Европу и соседние с ней страны.

Главная черта, позволяющая понять, что перед нами человек эпохи Возрождения – целеустремленность, ясность мысли и буйство чувств.

Характеристика общества и человека того времени:

• У людей преобладает гуманизм в мировоззрении.
• Отрицается сословность.
• Происходит отказ от роскоши и различных привилегий, свойственных обществу средневековья в Европе.
• Античная культура возрождается, внося во взгляды романтизм.
• Естественность во всем, природа, как основа для жизни – главная черта в восприятии происходящего.
• Появилось явное пренебрежение схоластикой и правом.

В обществе начинает формирование новый пласт – интеллигенция. Люди становятся боле утонченными, возникают понятия этикета, морали и духовности, которым предстоит пережить долгий период становления и совершенствования, возвышенности и чувственности.

На первый план выходят идеи просвещения, идеалы нравственности, политическая жизнь становится насыщенной, поскольку производится обмен мастерами. Активно находят свое отражение, такие противоположные понятия, как нравственный нигилизм, религиозный анархизм. Все это дает возможность познавать и развиваться.

Торговля между городами и странами способствует быстрому росту городов. Благодаря этому в обществе стали формироваться новые классы. Рыцари средневековья сменились наемной армией.

Образ человека эпохи Ренессанса – центр поклонения, главная фигура в мире. Появилась вера в безграничные возможности личности, в силу собственного духа и красоту. Идеалом для человека и общества стали удовлетворения всех естественных потребностей, поскольку без этого невозможно жить и двигаться дальше.

Изобразительное искусство

Яркая культура эпохи Ренессанс нашла свое отражение в изобразительном искусстве. Люди эпохи Возрождения привнесли в него линейную и пространственную перспективу. В этот период появляются знания пропорций и усиливается внимание к анатомии человеческого тела.

Появляются холсты с изображением сюжетов из Античной мифологии, повседневные и бытовые иллюстрации, используются темы национальной истории европейских стран. Основными для художников становятся масляные краски, так как их текстура и разнообразие оттенков позволяет точнее передать замыслы и взгляды мастеров кисти.

Первые картины Ренессанса появились в Италии в 14 столетии. Художники, творившие в этот период:

• Пьетро Каваллини (1259-1344).
• Симоне Мартини (1284-1344).
• Джотто (1267-1337).

Мастера раннего Возрождения выбирали для себя близкую духу общества тематику – религию. Большое влияние на картины оказывали традиции интернациональной готики. Вместе с ней включались и новые приемы: построение, объемная композиция. Активно стали использовать пейзаж на заднем плане. Этот прием позволил сделать изображение более реалистичным, живым, настоящим.

Смотрящий на него человек смог полностью погрузиться в атмосферу, почувствовать силу энергетики, которую вкладывал в свою работу художник. Предшествующие традиции иконографии отступили, забрав условности в изображениях.

Становление изобразительного искусства эпохи Возрождения пошло началось в XV веке. Тогда Филиппо Брунеллески (ученый и архитектор) открыл и подробно описал закон линейной перспективы. Благодаря этому живописцы смогли воплощать в своих творениях со­вер­шен­ные объемные изоб­ра­же­ния трех­мер­но­го про­стран­ства на плос­ком по­лотне.

Следующим изменением, которое претерпело изобразительное искусство эпохи Возрождения, стало появление нерелигиозной тематики в основе сюжета. В это время появились такие самостоятельные жанры в живописи, как портрет и пейзаж.

Ре­ли­ги­оз­ные сю­же­ты при­об­ре­та­ли в этот период иную трак­тов­ку — ху­дож­ни­ки эпохи Воз­рож­де­ния стали рас­смат­ри­вать их пер­со­на­жей как ге­ро­ев, подобных античным. Они приобрели выраженную индивидуальность, получили черты личности, в поступках начала прослеживаться мотивация.

Мастера раннего Ренессанса:

• Мазаччо.
• Мазолино.
• Пьеро Делла Франческо.
• Беноццо Гоццоли.
• Джованни Беллини.
• Сандро Боттичелли.

Боль­шое рас­про­стра­не­ние в творчестве по­лу­чи­ла скульп­ту­ра, которая повлияла и на живопись.  На холсте стали появляться бюст, рельеф мышц, изгибы тела. Мастера художественного слова научились в полной мере отображать пластику, разнообразие эмо­ций, дви­же­ний тела. Появились сложные сцены и многоплановость. Во многом на становление живописи повлияли скульпторы Донателло и Ло­рен­цо Ги­бер­ти.

Высокое Возрождение – этап, в течение которого мир получил большую часть известных произведений культуры и искусства. В этот период живопись начала рассматриваться, как объект для изучения анатомии человека, познания законов природы, внимательного изучения мимики, чувств и эмоций человека.

Художники уделяли внимание таким вопросам, как правильное построение композиции и гармония образа. Сложность и кропотливость работы позволили создать Золотой фонд произведений искусства, который с годами только увеличивает ценность и значимость.

На этом этапе важным стало соединение гуманизма, эстетики и натурализма. Именно таких принципов придерживался, например, Рафаэль Санти. Героики и пафоса привносят в изобразительное искусство произведения, вышедшие из-под руки другого мастера – Микеланджело Буонарроти.

Он отображает трагедию, которая стала наполнять сердца вместе с кризисом гуманизма. Его холсты про­слав­ля­ют силу и мощь че­ло­ве­ка, указывают на естественную кра­со­ту его тела. Во время просмотра картин остается стойкое ощущение одиночества в этом огромном, но чужом мире.

Отдельного внимания заслуживает творчество двух мастеров – Джорджоне и Тициана. Они проявляли повышенный интерес к такому направлению в живописи, как пейзаж. Поэтизация сюжета стала для них главным движущим механизмом. Мастерски они изображали на своих холстах и портреты. В них в полной мере находил свое отражение характер и внутренний мир человека.

Позднее Возрождение – особая страница в искусстве того времени. После падения Рима наступает длительный период кризиса. Находит отражение он в работах позднего Рафаэля. Новое направление получает название маньеризм.

Для этого направления характерны следующие черты:

• Взвинченность.
• Изломы линий.
• Неестественные позы (деформация фигур).
• Напряженность.

На картинах женщины и мужчины обнажены, но ожидаемой красоты тел не наблюдается. Мастера используют необычные и даже причудливые эффекты, отдают предпочтение игре освещения и перспективы. На холстах прослеживается изобилие едкой хроматической гаммы. Видна перегруженность композиции и сюжета.

Первые творцы в жанре маньеризма:

• Пармиджанино.
• Понтормо.
• Бронзино.

Мастера жили и работали во Флоренции и были придворными живописцами герцога Медичи. Затем мода на новое направление распространилась по всей Италии и другим европейским странам. На смену маньеризму пришел стиль барокко.

Северное Возрождение – отдельный этап развития изобразительного искусства и культуры в целом. От итальянского Ренессанса здесь присутствует только название.

Направление Антверпенский маньеризм появилось благодаря работам художников, которые жили на севере Альп. Они не могли полагаться на образы античного искусства, так как не располагали ими. Мастера не ориентировались на археологические работы и изыскания, проводимые в этот период в Италии.

В Альпах долгое время сохранялись и почитались традиции и навыки, которые пришли вместе с готическим направлением в искусстве. Анатомическим подробностям, античности, как основе сюжета мастера в этом случае внимания не уделяли.

Портреты, написанные рукой художника севера, лишены идеалов и гармонии, излишней яркости. В своем реализме подобные холсты доходят до выраженного натурализма. Северяне – творцы, которые учитывают стихии народной (крестьянской) жизни.

Произведения руководствуются фольклорными традициями и обычаями. Проследить становление искусства в этом регионе можно по произведениям Питера Брейгеля Старшего.

Бургундские Нидерланды – место, где в XV столетии (первой его половине) появилось старонидерландское искусство. Оно представляет собой успешное сочетание интернациональной готики, веяний раннего Ренессанса и местных традиций в творчестве. Особенности: усложненная иконография, запутанный символизм, повышенное внимание к подробностям и нюансам домашнего обихода и быта простых людей.

Каждое произведение пронизано суровой естественностью. В процессе работы происходит переход от темперы к масляной живописи. Такой прием позволяет творцу более рельефно и выразительно передать на холсте многообразие и блеск мира, окружающего людей, его предметы и явления.

Основные достижения северного Возрождения принято связывать с именами Робера Кампена, Рогира ванн дер Вейдена и братьев ванн Эйков. Художественная школа во второй половине XV столетия испытала на себе соединение готических мотивов и веяния итальянского искусства. Своеобразный союз нашел отражение в творчестве Мемлинга.

Непосредственно в Италии с интересом следили за достижениями, которые демонстрировали художники из Нидерландов. Влияние основоположницы Ренессанса стало активно проникать в этот регион в 16 столетии.

Прорыв произошел, когда художник из Баварии Альбрехт Дюрер совершил поездку в Венецию, чтобы совершенствовать свое мастерство. В этот же период в Нидерландах полностью сформировалась школа антверпенского маньеризма. Яркий представитель направления – Мабюз.

С началом этапов Реформации религиозная живопись на севере Европы стала предметом запрета. На смену ей пришли другие направления и жанры: пейзаж, натюрморт или жанровая живопись. Основаны они на наблюдениях за природой и явлениями.

Известные художники эпохи Ренессанса

Знаменитые художники Возрождения подарили миру произведения, которые стали частью «Золотого фонда» живописи. На холстах отражена эволюция в мире искусства, выраженная в смелых и ярких образах, точности линий.

Тинторетто (1518-1594)

Итальянский художник, творивший в Венеции. Созданная ранее перспектива иллюзии трехмерного пространства была усовершенствована им до предела. Для этой цели Тинторетто применял длинные и широкие перспективы.

Выбранный им стиль отражает новаторские технологии, яркость и насыщенность красок и нескрываемую драматичность.

Тициан (1488/1490-1576)

Итальянский художник, который экспериментировал с различными стилями и направлениями в живописи. В основе его работ были портреты, ландшафты, религиозные и мифологические тематики. Особенность техники – свободные мазки и тонкость тона.

Ему удалось успешно внедрить смелые образы обнаженных тел в живопись, сочетать их с религиозными сюжетами.

Альбрехт Дюрер (1471-1528)

Немецкий художник начал свой путь в творчестве в качестве успешного мастера гравюр на дереве. Печатное производство под его влиянием достигло невероятных масштабов и стало самостоятельной художественной формой.

Дюрер совершенствовал свое мастерство художника, общаясь с Рафаэлем и Леонардо да Винчи. Он ввел итальянское искусство в северные традиции живописи.

Иероним Босх (1450-1516)

Голландский художник, известный тем, что первым стал изображать на холстах миры необычные, скрытые от глаз людей, загробный мир и мифические существа также появлялись в его работах в числе первых, чем вызвали неподдельный интерес к произведениям.

Его образы гротескны, в основе творчества лежат библейские сюжеты, в центре – сравнение жизни земной и небесной, Рая и Ада. Мастер понимал глубинные и подсознательные страхи людей, умело переносил их на холсты, заставляя задуматься.

Джотто (1267-1337)

Итальянский художник периода Раннего Ренессанса. Его творчество положило конец преобладанию в живописи влияния Византийского стиля. Смелые новации, необычный взгляд на техники письма позволили внести революционные изменения и открыть дорогу Ренессансу. Мастер изображал лица, жесты и эмоции максимально приближенными к естественным.

Сандро Боттичелли (1445-1510)

Изобразительное искусство эпохи Ренессанса стало расцветом для просветителей. Многие гуманисты воспринимают Боттичелли, как основоположника жанра. Художник выбирал для себя мифологические и религиозные сюжеты, идеально писал портреты людей. Он стремился запечатлеть на холсте доброту и нежность, искренность и позитив.

Донателло (1386-1466)

Итальянский мастер совершил поездку в Рим и изучил там древние руины. Художник стал постепенно уводить живопись из-под влияния готики, привнося в изображение плавность линий и детальный реализм. Лица, изображаемые на холстах, получили эмоции, стали более живыми, настоящими.

Основным направлением в работе была скульптура, но работы мастера оказали огромное влияние и на мир изобразительного искусства, вдохнув в образы жизнь.

Рафаэль (1483-1520)

Итальянский художник, творивший на этапе Высокого Ренессанса. Его основным направлением в творчестве стала реалистичность образов. Многие художники эпохи Возрождения старались подражать и ровняться на творчество мастера. Эмоции и чувства – особенность всех полотен.

Микеланджело (1475-1564)

Изобразительное искусство эпохи Возрождения во многом равнялось на произведения гениального итальянского мастера. Он был также одним из величайших скульпторов своего времени. Стиль мастера был своеобразным и очень личным, в ним преобладает естественность и натуральность, благодаря которым при взгляде на произведения полностью проникаешься сюжетом.

Леонардо да Винчи

Великое искусство эпохи Ренессанса нельзя представить без работ этого мастера. Да Винчи был не только талантливым художником, но и непревзойденным инженером, математиком, ботаником и скульптором. Для своего времени он создал много величайших открытий, которыми пользовались многие ученые и исследователи в будущем.

Глубокие познания в анатомии, геологии, физике позволили разработать ему уникальный метод, плавный переход от света к тени. На холстах можно видеть переход, выраженный контраст, который позволяет добиться трехмерного объема. Основные стили в работе: религиозная живопись, художественные образы.

Шедевры эпохи Возрождения

Возвышенность, романтизм, легкость, античность и реализм — черты эпохи Ренессанса. Они выделяют произведения из ряда других полотен.

Мона Лиза (Леонардо да Винчи)

Произведение является самым обсуждаемым мировым шедевром. Холст поражает визуальным воплощением, выбранными техниками письма. Загадки окружают картину со дня ее появления.

Основная – полуулыбка, кому принадлежит самый узнаваемый образ. Теплые тона и мягкие оттенки наполняют произведение легкостью, располагают к себе. В нем нет трагического составляющего, но легкий ареол грусти окутывает, стоит только внимательно вглядеться в холст.

Сотворение Адама (Микеланджело)

Культура эпохи Ренессанс построена на смелом сочетании новых решений в жанре живописи и традиционных сюжетах. Яркий пример — это произведение. В центре момент сотворения первого человека – Адама. Основное внимание уделяется моменту вселения души в тело, что показано в виде соединения рук Бога и Человека.

Сикстинская Мадонна (Рафаэль)

Образ соединяет в себе начало эпохи, появление новых знаний и конец мрачности. Полотно пронизано тайнами. Если внимательно присмотреться, то можно увидеть, что вокруг Мадонны располагаются лица маленьких ангелов.

В ее взгляде одновременно можно прочитать грусть и надежду печаль и радость. Переход тонов и оттенков подобран безупречно, что позволяет прочувствовать всю гамму эмоций, которую мастер вложил в свое произведение.

Рождение Венеры (Боттичелли)

Яркая эпоха итальянского Возрождения подарила произведение, которое вселяет оптимизм и дарит приятное тепло. В центре сюжета лежит миф о рождении одного из самых романтичных и нежных существ – богини любви Венеры. Она появилась из морской пены и своими прекрасными чертами покорила всех.

Античность оказала влияние на автора, благодаря чему на холсте присутствуют правильные анатомические штрихи, соблюдены пропорции. Цвета и оттенки подобраны так, чтобы вселять радость и позитив. Грусть и печаль отступают, открывая дорогу смелым мечтам и надеждам.

Поклонение волхвов (Джотто)

Автор – представитель эпохи Ренессанса. Для работы он выбрал библейский сюжет. Для многих духовная составляющая была главным элементом творческого процесса. Здесь основное внимание уделяется фигурам людей. В них чувствуется внутреннее достоинство и сила духа.

Природа обозначена синевой неба, на заднем фоне прослеживаются ее очертания. Мастер отошел от привычных золотых оттенков, которые активно использовались в живописи, что позволило в полной мере передать всю глубину момента. Все элементы и детали подобраны так, чтобы создать у человека иллюзию присутствия.

Мадонна Литта (Больтраффио)

У произведения в момент создания было название «Мадонна с младенцем», но позднее оно было переименовано. Полотно демонстрирует яркость и эмоциональность момента общения матери и ребенка. Темные и светлые оттенки призваны подчеркнуть бурю чувств. Стоит кратко взглянуть на холст, чтобы понять всю глубину нежности, заключенную в картине.

Тайная Вечеря (Леонардо да Винчи)

Мировая художественная культура признает картину одной из выдающихся работ, которая была написана рукой Леонардо да Винчи. Изначально холст предназначался для монастыря, находившегося в Милане. В центре сюжета лежит последняя трапеза Иисуса Христа и его учеников.

Современники художника, имевшие возможность наблюдать за его творчеством в момент создания полотна, отмечали, что мастер мог трудиться над ним весь день, без еды, отдыха или сна. Художник применял принципы натурфилософии, старался, чтобы все детали и образы выглядели натуральными, будто застывшими в моменте времени.

Скульптура

Основным центром становления и развития этого направления в искусстве была Италия. Средневековье с его готическими и мрачными мотивами постепенно уступало место смелым образам, которые появились и в скульптурах. Многие художники эпохи Возрождения создавали прекрасные произведения из бронзы или мрамора.

Формироваться творчество начало в пизанской школе мастеров (основатель – Пизано). Основным материалом был мрамор. Главные сюжеты – Библия. В этот период формы получили объемность. Стиль Пизано отличался от привычных динамичностью и смелостью. Известное произведение — фонтан Маджоре в Перудже.

На этапе Раннего возрождения главным мастером стал Донателло. Он считается основоположником индивидуализированного скульптурного портрета. Произведения: Святой Марк, Давид, Статуя Гаттамелаты.

Высокое Возрождение – период стремительного развития искусства. Особого внимания заслуживают скульптуры Микеланджело. Они полны героизма в образах и трагического ощущения кризиса в жанре гуманизма. Произведения этого периода: Пьетра, Умирающий раб, Моисей. Современные скульпторы и живописцы вдохновляются

Наука

Активное развитие науки переходного периода от Средневековья к Новому времени позволило сделать множество открытий и подарить миру имена ученых, которые способствовали появлению технологий, знаний и умений для создания сложных механизмов.

Идеалом стал возврат к ценностям, характерные черты которых – гуманизм, просветительство, развитие и совершенствование. Культура повлияла на взгляды и мировоззрение людей, изменила общество. Если ранее в основе лежали церковные постулаты, то во времена Ренессанса – исследования, опыты, знания.

Одной из основных теоретических проблем в науке этого периода стало электричество и магнетизм. Основателем исследований является Уильям Гилберт. По образованию он врач, но в круг его интересов входила и магнитная философия.

Именно Гилберт выдвинул предположение, что наша планета — круглый магнит, географические полюса которого совпадают с магнитными. Для доказательства своей теории он изготовил уменьшенную копию Земли из круглого магнита, к которой была прикреплена стрелка. С ее помощью он проводил опыты и исследования магнитного поля планеты.

Другие выдающиеся ученые и деятели науки эпохи Возрождения:

• Николай Коперник – его открытия – настоящая революция в мире науки.
• Джордано Бруно.
• Галилео Галилей.
• Иоганн Кеплер.

Труды ученых позволили лучше узнать, как устроены земные объекты. Открыть закономерности косметических тел и явлений. Механика, технология, физика – все эти науки активно развивались в период Ренессанса.

Философия

Философия и эпоха Ренессанса создали удивительное течение, представляющее собой совокупность нескольких направлений, школ и взглядов. Они возникли и развивались в Европейских странах в самом начале независимо друг от друга, но в тоге смогли объединиться. Произошло это благодаря великим географическим открытиям, развитию торговых отношений.

Основные проблемы и становление взглядов были сосредоточены вокруг отрицания главенства церковных учений. Изобретения ученых, их труды и наблюдения позволили понять, что главным является природа, человек и его сознание.

Вечные ценности в этот период – творчество, саморазвитие, совершенствование. Для философии характерен антропоцентризм и интерес к античной культуре. В этот период в Европе происходят крупные революции – Английская (буржуазно-демократическая) и Нидерландская. Возникла новая общественно – экономическая формация – капитализм.

Также для этого времени характерен бурный рост городов, культурное совершенствование. Все это не оставляло места для рассуждений о главенствующий роли церкви.

Основными направлениями в философии стали:

• Гуманизм.
• Неоплатонизм.
• Натурфилософия.

Социально-утопические идеи, реформаторские и смелые взгляды стали основными в высказываниях многих известных личностей. Деятели, которые стали идеалами для философского просвещения: Мартин Лютер, Николай Кузанский, Андрес Везалий, Томас Мюнцер.

Архитектура

Перемены, которые затронули общество, не обошли стороной архитектуру. Появились новые стили и направления, завоевавшие доверие мастеров. Ведущие архитекторы разрабатывали проекты, ориентируясь на античные мотивы. Известные мастера:

• Филиппо Брунеллески (1377 — 1446) — основоположник архитектуры ренессанса. Он создал теорию перспективы и ордерную систему.
• Леон Баттиста Альберти (1402 — 1472) — создатель её целостной концепции.
• Донато Браманте (1444 — 1514) — мастер центрических композиций. Его произведения отличаются идеально выверенными пропорциями.
• Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564) — мастер руководил строительными работами, которые проводились в тот период в Риме.

Внимания заслуживает Андреа Палладио (1508 — 1580). Это родоначальник первой фазы классицизма (палладианство).

Театр

Полноценное воспитание человека невозможно себе было представить без театральных постановок. В основе лежали романтизм, драма, комедия. Ренессанс подарил имена, которые известны и почитаемы спустя столетия:

• Помпоний Лето.
• Лудовико Ариосто.
• Николо Макиавелли (ведущий политик своего времени, много внимания уделяющий искусству и театру).
• Хуан дель Энсина.
• Уильям Шекспир.

Ведущие деятели искусства создали бессмертные произведения с глубоким смыслом и захватывающим сюжетом. Их творчество стало основой для многих поколений.

Музыка

Активно развивается музыкальная часть искусства эпохи Возрождения. Во Франции и Бельгии зарождается фламандская школа. В ее основе лежат народные песни и мотивы. Появляются новые инструменты – виолы (струнно-смычковые).

Лютня активно используется в Италии, Испании, Франции. Появляются различные музыкальные жанры и направления (шансон, фроттола, мадригал).

Музыкальное творчество вплетает отголоски готики и новых веяний. Известные имена и композиторы: Яков Обрехт, Жоскен Депре, Адриан Виларт, Николо Вичентино.

Литература

Главные достижения – книги и произведения, которые стали классикой не только своего времени. В литературе Ренессанса преобладал прогрессивный гуманизм, отчетливо прослеживалась радость жизни, возвращение к идеалам античности. Гармония с окружающим миром и чрезмерная эмоциональность накладывала отпечаток на сюжет.

Центром является человек и его психология. Ведущие просветители и поэты Возрождения: Данте Алигьери, Томас Мор, Франческо Петрарка и Джованни Боккаччо, Макиавелли, Лудовико Ариосто, Пьетро Аретино, Бернардо Довици, Лопе де Вега, Шекспир.

Медицина

Главный первопроходец в медицине – Леонардо да Винчи. Он активно изучал анатомию, влияние растений и трав на организм человека. В эпоху Возрождения было открыто легочное кровообращение. Описание получили почки, гортань.

В хирургии и эмбриологии происходили открытия, позволившие делать сложные операции и следить за развитием плода. В это время еще ощущалось влияние средневековья, поэтому научные изыскания часто сопровождали магические ритуалы. Ведущие специалисты: Парацельс, Реальдо Коломбо, Мигель Сервет.

Политика

Активной была и политическая жизнь. На смену феодализму приходит капитализм. Главными становятся права, интересы и потребности людей. Общество начинает влиять на процессы, которые происходят в стране.

Зарождаются социальные слои, появляются различные теории. Известные политики: Томас Мор, Жан Боден, Николо Макиавелли.

Церковь

Ренессанс называют эпохой реформации, но не против религии как таковой, а против господства церкви во всех сферах человеческой жизни. Итогом реформации стало появление третьего крыла христианства – протестантизма.

Образование

Активное развитие эпохи Возрождения нашло отражение и в образовании. Большое внимание уделялось таким наукам, как этика, ботаника и математика, естествознание, астрономия и география.

Появилось три уровня обучения: начальное (под влиянием церкви), повышенное и высшее. В основе педагогики лежит переосмысление. Гуманизм стал главным направляющим фактором в образовании.

Географические открытия

В период Ренессанса были сделаны важные открытия: Америки Колумбом, морского пути в Индию. Осуществились плавания, Васко да Гамы и Магеллана (открытие Африки и Азии). Были сделаны открытия, связанные с землями Австралии и Океании.

Каноны женской красоты

Все церковные заперты и табу были в этот период сняты. Душа стала второстепенной, на первое место выходила природная естественность. К красоте, как явлению, перестали относиться, как к дьявольскому искушению. Подчеркнутые женские половые признаки стали залогом интереса.

С другой стороны, мода на здоровье диктовала женщине необходимость иметь большую грудь. Красивыми в обществе считали широкие бедра, крепкую талию и большие ягодицы.

Девичья легкая красота уступала очертаниям зрелой женщины после 35 лет. Именно поэтому великие художники эпохи Возрождения считали своим долгом создать рисунок обнаженной натуры, а затем перенести его на холст.

Ренессанс в России

Возрождение в России приходится на период правления Петра Великого. В XVIII столетии активно развиваются контакты с Германией, Францией, Бельгией, Италией. Вместе с ними приходят и новые веянья в искусстве, литературе и музыке. Архитектура также преображается.

В XVI — XVII веках в стране активно возводят шатровые храмы. Под влиянием Ренессанса иконография в России становится более реалистичной. В портретной живописи появляются реальные черты личности. Андрей Чохов создает в этот период Царь Пушку.

Влияние эпохи на мир

Русская, французская и итальянская линии в развитии Ренессанса различаются. Расцвет культуры и ее развитие, революционные изменения в обществе и всех ее слоях не могли остаться незамеченными в мире.

Выдающиеся имена эпохи Возрождения, которые внесли изменения в мировоззрение поколений — Петрарка, Боккаччо, Брунеллески, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело. Их открытия в искусстве, науке, технике стали основой для дальнейшего совершенствования.

Развитие охватывает астрономию и приводит к космическим полетам, опыты в области медицины позволяют современным врачам побеждать самые сложные болезни. Музыкальные композиции, произведения литературы, театральные постановки – образец для подражания современным поэтам и писателям. Всего этого не было бы без прорывных и смелых взглядов людей эпохи Возрождения.

[

Периодика

Периодика Возрождения начинается с XIV века и завершается к XVII столетию. Ренессанс способствовал повторному открытию классической философии, литературы и искусства. Значительное количество величайших мыслителей, авторов, государственных деятелей, ученых и художников в истории человечества проявили свой талант именно в эту эпоху. Таким образом, Ренессансу приписывают преодоление разрыва между средневековьем и современной цивилизацией.
Этапы Возрождения:
1. Проторенессанс (2-я половина XIII века — XIV век)
2. Раннее Возрождение (начало XV — конец XV века)
3. Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века)
4. Позднее Возрождение (середина XVI — 1590-е годы)

Почему именно Италия?

Историки солидарны в том, что Ренессанс возник в Италии (было выдвинуто несколько теорий, объясняющих, почему этот период начался именно в Италии). Богатство Италии значительно возросло XIV-XVI веках. Выгодное географическое положение, выход к морю, собственный порт, политическая и экономическая стабильность вкупе со способностью противостоять внешнему натиску, активное развитие торговых отношений с Европой, Азией, Востоком — все это создало благодатную почву для процветания и начала Возрождения именно в Италии. Благоприятные условия привели к открытию местных школ искусств, к наращиванию талантов в различных областях культуры, науки, литературы, философии и пр. Кроме того, в позднем средневековье Италия состояла из городов-государств, которые имели определенную степень политической свободы. Она позволяла достигать художественного и академического прогресса вне строгих рамок. Еще одна причина эволюции развития именно в Италии — «черная смерть» (или чума), которая привела к большому количеству смертей в этой стране. Жестокая реальность заставила ученых отойти от средневековых мыслей о загробной жизни и духовность и больше думать о своем реальном существовании на Земле.

Движение распространилось на другие итальянские города-государства, такие, как Венеция, Милан, Болонья и Рим. Затем, в XV веке, идеи Ренессанса распространились из Италии во Францию, а затем по всей Западной и Северной Европе.
Ренессанс как единый исторический период завершился падением Рима в 1527 году. Разрыв между христианской верой и классическим гуманизмом привел к маньеризму во второй половине XVI века.

Главная идея Возрождения — гуманизм

Гуманизм имел несколько существенных черт.
— Во-первых, в качестве субъекта он принял человека во всей совокупности его достижений и проявлений.
— Во-вторых, он подчеркнул единство истины всех философских и теологических школ — доктрину, известную как синкретизм.
— В-третьих, в гуманизме подчеркивалось достоинство человека.
— Наконец, гуманизм стремился к возрождению утраченного человеческого духа и мудрости.
Эффект гуманизма заключался в том, чтобы помочь людям освободиться от ментальных ограничений, навязанных религиозной ортодоксией, вдохновить на свободные исследования, а также вселить веру в возможности человеческой мысли и творчества. Первыми родоначальниками ранних гуманистических мыслей были Франческо Петрарка и Джованни Боккаччо, которые способствовали обновлению традиционной греческой и римской культуры и ценностей.

Вклад в Возрождение

Искусство эпохи Возрождения склонялось к реализму, который предполагает использование перспективы. Величайший художник и изобретатель Леонардо да Винчи изобразил анатомию человека и способствовал пониманию человеческой формы. Основателем ренессансной живописи был Мазаччо (1401–1428). Монументальность композиций и высокая степень натурализма в его работах сделали Мазаччо ключевой фигурой в живописи эпохи Возрождения. Мастера Северного Возрождения Ян ван Эйк и Хуго ван дер Гус начали использование масляной краски, а также популяризировали технику натурализма. Ренессансный стиль архитектуры возродил некоторые элементы древнеримской и греческой архитектуры. Ренессансная литература, в отличие от средневековой, фокусировалась на поведении и характеристиках человека (исходя из главного вектора — гуманизма). Значительные прорывы в науке и технике также произошли в эпоху Возрождения, включая изобретение телескопа, очков, печатных материалов, пороха, компаса для моряков, бумаги и часов. Новые музыкальные инструменты (скрипка и клавесин) способствовали появлению оперы. Композиторы стремились творить музыку с особым эмоциональным эффектом. Другие результаты эпохи Возрождения включают рост протестантизма, рост капиталистической рыночной экономики и открытие Нового Света, приписываемого Колумбу.

Гении эпохи Возрождения

1. Леонардо да Винчи (1452–1519): итальянский художник, архитектор, изобретатель и «человек эпохи Возрождения», автор картин «Мона Лиза» и «Тайная вечеря».
2. Дезидерий Эразм (1466–1536): ученый из Голландии, который определил гуманистическое движение в Северной Европе. Переводчик Нового Завета на греческий.
3. Рене Декарт (1596–1650): французский философ и математик, которого считают отцом современной философии. Знаменит афоризмом: «Я мыслю, следовательно, существую».
4. Галилео (1564-1642): итальянский астроном, физик и инженер, чья новаторская работа с телескопами позволила ему описать спутники Юпитера и кольца Сатурна. Был помещен под арест за свои взгляды о гелиоцентрической вселенной.
5. Николай Коперник (1473–1543): математик и астроном, выдвинул первый современный научный аргумент в пользу концепции гелиоцентрической солнечной системы.
6. Томас Гоббс (1588–1679): английский философ и автор «Левиафана».
7. Джеффри Чосер (1343–1400): английский поэт и автор «Кентерберийских рассказов».
8. Джотто (1266-1337): итальянский художник и архитектор, чьи реалистичные изображения человеческих эмоций повлияли на многие поколения художников. Наиболее известен своими фресками в часовне Скровеньи в Падуе.
9. Данте (1265–1321): итальянский философ, поэт, писатель и политический мыслитель, автор «Божественной комедии».
10. Никколо Макиавелли (1469–1527): итальянский дипломат и философ, известный работами «Государь» и «Рассуждения о первой декаде Тита Ливия».
11. Тициан (1488–1576): итальянский художник прославился своими портретами папы Павла III и Карла I и его более поздними религиозными и мифическими картинами («Венера и Адонис» и «Вознесение Девы Марии»).
12. Уильям Тиндейл (1494–1536): английский библейский переводчик, гуманист и ученый, был сожжен на костре за перевод Библии на английский язык.
13. Уильям Берд (1539/40–1623): английский композитор, известный развитием английского мадригала и религиозной органной музыкой.
14. Джон Мильтон (1608–1674): английский поэт и историк, написавший эпическую поэму «Потерянный рай».
15. Уильям Шекспир (1564–1616): «национальный поэт» Англии и самый известный драматург всех времен, прославленный своими сонетами и трагедией «Ромео и Джульетта».
16. Донателло (1386–1466): итальянский скульптор прославился своими реалистичными скульптурами («Давид», по заказу семьи Медичи).
17. Сандро Боттичелли (1445–1510): итальянский художник, известный полотном «Рождение Венеры».
18. Рафаэль (1483–1520): итальянский художник, обучался у да Винчи и Микеланджело. Наиболее известен своими картинами Мадонны и фреской «Афинская школа».
19. Микеланджело (1483–1520): итальянский скульптор, художник и архитектор, который создал «Давида» и Сикстинскую капеллу в Риме.

Искусство эпохи Возрождения можно объяснить тремя основными понятиями:
⦁ Создание принципов правил линейной перспективы, которые организовали единое пространство;
⦁ Сосредоточение на человеке (личность, анатомия, эмоции);
⦁ Отказ от декоративных элементов в пользу насущного.

Период Ренессанса оказал длительное и значительное влияние на цивилизацию. Скачки развития в географии и науке (Птолемеевская система астрономии) позволили людям лучше понять Землю и Вселенную. Печатный станок является одним из наиболее заметных и важных изобретений, которое позволило идеям ученых стать доступными для общественности и способствовать образованию. Искусство эпохи Возрождения заложило крепкий фундамент для развития современной культуры.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Renaissance art (1350 – 1620 AD^[1]) is the painting, sculpture, and decorative arts of the period of European history known as the Renaissance, which emerged as a distinct style in Italy in about AD 1400, in parallel with developments which occurred in philosophy, literature, music, science, and technology. Renaissance art took as its foundation the art of Classical antiquity, perceived as the noblest of ancient traditions, but transformed that tradition by absorbing recent developments in the art of Northern Europe and by applying contemporary scientific knowledge. Along with Renaissance humanist philosophy, it spread throughout Europe, affecting both artists and their patrons with the development of new techniques and new artistic sensibilities. For art historians, Renaissance art marks the transition of Europe from the medieval period to the Early Modern age.

The body of art, painting, sculpture, architecture, music and literature identified as «Renaissance art» was primarily produced during the 14th, 15th, and 16th centuries in Europe under the combined influences of an increased awareness of nature, a revival of classical learning, and a more individualistic view of man. Scholars no longer believe that the Renaissance marked an abrupt break with medieval values, as is suggested by the French word renaissance, literally meaning «rebirth». In many parts of Europe, Early Renaissance art was created in parallel with Late Medieval art.

Origins[edit]

Many influences on the development of Renaissance men and women in the early 15th century have been credited with the emergence of Renaissance art; they are the same as those that affected philosophy, literature, architecture, theology, science, government and other aspects of society. The following list presents a summary of changes to social and cultural conditions which have been identified as factors which contributed to the development of Renaissance art. Each is dealt with more fully in the main articles cited above. The scholars of Renaissance period focused on present life and ways improve human life. They did not pay much attention to medieval philosophy or religion. During this period, scholars and humanists like Erasmus, Dante and Petrarch criticized superstitious beliefs and also questioned them. ^[2] The concept of education also widened its spectrum and focused more on creating ‘an ideal man’ who would have a fair understanding of arts, music, poetry and literature and would have the ability to appreciate these aspects of life. During this period, there emerged a scientific outlook which helped people question the needless rituals of the church.

• Classical texts, lost to European scholars for centuries, became available. These included documents of philosophy, prose, poetry, drama, science, a thesis on the arts, and early Christian theology.
• Europe gained access to advanced mathematics, which had its provenance in the works of Islamic scholars.
• The advent of movable type printing in the 15th century meant that ideas could be disseminated easily, and an increasing number of books were written for a broader public.
• The establishment of the Medici Bank and the subsequent trade it generated brought unprecedented wealth to a single Italian city, Florence.
• Cosimo de’ Medici set a new standard for patronage of the arts, not associated with the church or monarchy.
• Humanist philosophy meant that man’s relationship with humanity, the universe and God was no longer the exclusive province of the church.
• A revived interest in the Classics brought about the first archaeological study of Roman remains by the architect Brunelleschi and sculptor Donatello. The revival of a style of architecture based on classical precedents inspired a corresponding classicism in painting and sculpture, which manifested itself as early as the 1420s in the paintings of Masaccio and Uccello.
• The improvement of oil paint and developments in oil-painting technique by Belgian artists such as Robert Campin, Jan van Eyck, Rogier van der Weyden and Hugo van der Goes led to its adoption in Italy from about 1475 and had ultimately lasting effects on painting practices worldwide.
• The serendipitous presence within the region of Florence in the early 15th century of certain individuals of artistic genius, most notably Masaccio, Brunelleschi, Ghiberti, Piero della Francesca, Donatello and Michelozzo formed an ethos out of which sprang the great masters of the High Renaissance, as well as supporting and encouraging many lesser artists to achieve work of extraordinary quality.^[3]
• A similar heritage of artistic achievement occurred in Venice through the talented Bellini family, their influential in-law Mantegna, Giorgione, Titian and Tintoretto.^[3][4][5]
• The publication of two treatises by Leone Battista Alberti, De pictura («On Painting») in 1435 and De re aedificatoria («Ten Books on Architecture») in 1452.

History[edit]

Proto-Renaissance in Italy, 1280–1400[edit]

In Italy in the late 13th and early 14th centuries, the sculpture of Nicola Pisano and his son Giovanni Pisano, working at Pisa, Siena and Pistoia shows markedly classicising tendencies, probably influenced by the familiarity of these artists with ancient Roman sarcophagi. Their masterpieces are the pulpits of the Baptistery and Cathedral of Pisa.

Contemporary with Giovanni Pisano, the Florentine painter Giotto developed a manner of figurative painting that was unprecedentedly naturalistic, three-dimensional, lifelike and classicist, when compared with that of his contemporaries and teacher Cimabue. Giotto, whose greatest work is the cycle of the Life of Christ at the Arena Chapel in Padua, was seen by the 16th-century biographer Giorgio Vasari as «rescuing and restoring art» from the «crude, traditional, Byzantine style» prevalent in Italy in the 13th century.

Early Renaissance in Italy, 1400–1495[edit]

Although both the Pisanos and Giotto had students and followers, the first truly Renaissance artists were not to emerge in Florence until 1401 with the competition to sculpt a set of bronze doors of the Baptistery of Florence Cathedral, which drew entries from seven young sculptors including Brunelleschi, Donatello and the winner, Lorenzo Ghiberti. Brunelleschi, most famous as the architect of the dome of Florence Cathedral and the Church of San Lorenzo, created a number of sculptural works, including a life-sized crucifix in Santa Maria Novella, renowned for its naturalism. His studies of perspective are thought to have influenced the painter Masaccio. Donatello became renowned as the greatest sculptor of the Early Renaissance, his masterpieces being his humanist and unusually erotic statue of David, one of the icons of the Florentine republic, and his great monument to Gattamelata, the first large equestrian bronze to be created since Roman times.

The contemporary of Donatello, Masaccio, was the painterly descendant of Giotto and began the Early Renaissance in Italian painting in 1425, furthering the trend towards solidity of form and naturalism of face and gesture that Giotto had begun a century earlier. From 1425–1428, Masaccio completed several panel paintings but is best known for the fresco cycle that he began in the Brancacci Chapel with the older artist Masolino and which had profound influence on later painters, including Michelangelo. Masaccio’s developments were carried forward in the paintings of Fra Angelico, particularly in his frescos at the Convent of San Marco in Florence.

The treatment of the elements of perspective and light in painting was of particular concern to 15th-century Florentine painters. Uccello was so obsessed with trying to achieve an appearance of perspective that, according to Giorgio Vasari, it disturbed his sleep. His solutions can be seen in his masterpiece set of three paintings, the Battle of San Romano, which is believed to have been completed by 1460. Piero della Francesca made systematic and scientific studies of both light and linear perspective, the results of which can be seen in his fresco cycle of The History of the True Cross in San Francesco, Arezzo.

In Naples, the painter Antonello da Messina began using oil paints for portraits and religious paintings at a date that preceded other Italian painters, possibly about 1450. He carried this technique north and influenced the painters of Venice. One of the most significant painters of Northern Italy was Andrea Mantegna, who decorated the interior of a room, the Camera degli Sposi for his patron Ludovico Gonzaga, setting portraits of the family and court into an illusionistic architectural space.

The end period of the Early Renaissance in Italian art is marked, like its beginning, by a particular commission that drew artists together, this time in cooperation rather than competition. Pope Sixtus IV had rebuilt the Papal Chapel, named the Sistine Chapel in his honour, and commissioned a group of artists, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio and Cosimo Rosselli to decorate its wall with fresco cycles depicting the Life of Christ and the Life of Moses. In the sixteen large paintings, the artists, although each working in his individual style, agreed on principles of format, and utilised the techniques of lighting, linear and atmospheric perspective, anatomy, foreshortening and characterisation that had been carried to a high point in the large Florentine studios of Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio and Perugino.

Early Netherlandish art, 1425–1525[edit]

The painters of the Low Countries in this period included Jan van Eyck, his brother Hubert van Eyck, Robert Campin, Hans Memling, Rogier van der Weyden and Hugo van der Goes. Their painting developed partly independently of Early Italian Renaissance painting, and without the influence of a deliberate and conscious striving to revive antiquity.

The style of painting grew directly out of medieval painting in tempera, on panels and illuminated manuscripts, and other forms such as stained glass; the medium of fresco was less common in northern Europe. The medium used was oil paint, which had long been utilised for painting leather ceremonial shields and accoutrements because it was flexible and relatively durable. The earliest Netherlandish oil paintings are meticulous and detailed like tempera paintings. The material lent itself to the depiction of tonal variations and texture, so facilitating the observation of nature in great detail.

The Netherlandish painters did not approach the creation of a picture through a framework of linear perspective and correct proportion. They maintained a medieval view of hierarchical proportion and religious symbolism, while delighting in a realistic treatment of material elements, both natural and man-made. Jan van Eyck, with his brother Hubert, painted The Altarpiece of the Mystical Lamb. It is probable that Antonello da Messina became familiar with Van Eyck’s work, while in Naples or Sicily. In 1475, Hugo van der Goes’ Portinari Altarpiece arrived in Florence, where it was to have a profound influence on many painters, most immediately Domenico Ghirlandaio, who painted an altarpiece imitating its elements.

A very significant Netherlandish painter towards the end of the period was Hieronymus Bosch, who employed the type of fanciful forms that were often utilized to decorate borders and letters in illuminated manuscripts, combining plant and animal forms with architectonic ones. When taken from the context of the illumination and peopled with humans, these forms give Bosch’s paintings a surreal quality which have no parallel in the work of any other Renaissance painter. His masterpiece is the triptych The Garden of Earthly Delights.

Early Renaissance in France, 1375–1528[edit]

The artists of France (including duchies such as Burgundy) were often associated with courts, providing illuminated manuscripts and portraits for the nobility as well as devotional paintings and altarpieces. Among the most famous were the Limbourg brothers, Flemish illuminators and creators of the Très Riches Heures du Duc de Berry manuscript illumination. Jean Fouquet, painter of the royal court, visited Italy in 1437 and reflects the influence of Florentine painters such as Paolo Uccello. Although best known for his portraits such as that of Charles VII of France, Fouquet also created illuminations, and is thought to be the inventor of the portrait miniature.

There were a number of artists at this date who painted famed altarpieces, that are stylistically quite distinct from both the Italian and the Flemish. These include two enigmatic figures, Enguerrand Quarton, to whom is ascribed the Pieta of Villeneuve-lès-Avignon, and Jean Hey, otherwise known as «the Master of Moulins» after his most famous work, the Moulins Altarpiece. In these works, realism and close observation of the human figure, emotions and lighting are combined with a medieval formality, which includes gilt backgrounds.

High Renaissance in Italy, 1495–1520[edit]

The «universal genius» Leonardo da Vinci was to further perfect the aspects of pictorial art (lighting, linear and atmospheric perspective, anatomy, foreshortening and characterisation) that had preoccupied artists of the Early Renaissance, in a lifetime of studying and meticulously recording his observations of the natural world. His adoption of oil paint as his primary media meant that he could depict light and its effects on the landscape and objects more naturally and with greater dramatic effect than had ever been done before, as demonstrated in the Mona Lisa (1503–1506). His dissection of cadavers carried forward the understanding of skeletal and muscular anatomy, as seen in the unfinished Saint Jerome in the Wilderness (c. 1480). His depiction of human emotion in The Last Supper, completed 1495–1498, set the benchmark for religious painting.

The art of Leonardo’s younger contemporary Michelangelo took a very different direction. Michelangelo in neither his painting nor his sculpture demonstrates any interest in the observation of any natural object except the human body. He perfected his technique in depicting it, while in his early twenties, by the creation of the enormous marble statue of David and the group Pietà, in the St Peter’s Basilica, Rome. He then set about an exploration of the expressive possibilities of the human anatomy. His commission by Pope Julius II to paint the Sistine Chapel ceiling resulted in the supreme masterpiece of figurative composition, which was to have profound effect on every subsequent generation of European artists.^[6] His later work, The Last Judgement, painted on the altar wall of the Sistine Chapel between 1534 and 1541, shows a Mannerist (also called Late Renaissance) style with generally elongated bodies which took over from the High Renaissance style between 1520 and 1530.

Standing alongside Leonardo and Michelangelo as the third great painter of the High Renaissance was the younger Raphael, who in a short lifespan painted a great number of life-like and engaging portraits, including those of Pope Julius II and his successor Pope Leo X, and numerous portrayals of the Madonna and Christ Child, including the Sistine Madonna. His death in 1520 at age 37 is considered by many art historians to be the end of the High Renaissance period, although some individual artists continued working in the High Renaissance style for many years thereafter.

In Northern Italy, the High Renaissance is represented primarily by members of the Venetian school, especially by the latter works of Giovanni Bellini, especially religious paintings, which include several large altarpieces of a type known as «Sacred Conversation», which show a group of saints around the enthroned Madonna. His contemporary Giorgione, who died at about the age of 32 in 1510, left a small number of enigmatic works, including The Tempest, the subject of which has remained a matter of speculation. The earliest works of Titian date from the era of the High Renaissance, including a massive altarpiece The Assumption of the Virgin which combines human action and drama with spectacular colour and atmosphere. Titian continued painting in a generally High Renaissance style until near the end of his career in the 1570s, although he increasingly used colour and light over line to define his figures.

German Renaissance art[edit]

German Renaissance art falls into the broader category of the Renaissance in Northern Europe, also known as the Northern Renaissance. Renaissance influences began to appear in German art in the 15th century, but this trend was not widespread. Gardner’s Art Through the Ages identifies Michael Pacher, a painter and sculptor, as the first German artist whose work begins to show Italian Renaissance influences. According to that source, Pacher’s painting, St. Wolfgang Forces the Devil to Hold His Prayerbook (c. 1481), is Late Gothic in style, but also shows the influence of the Italian artist Mantegna.^[7]

In the 1500s, Renaissance art in Germany became more common as, according to Gardner, «The art of northern Europe during the sixteenth century is characterized by a sudden awareness of the advances made by the Italian Renaissance and by a desire to assimilate this new style as rapidly as possible.»^[8] One of the best known practitioners of German Renaissance art was Albrecht Dürer (1471–1528), whose fascination with classical ideas led him to Italy to study art. Both Gardner and Russell recognized the importance of Dürer’s contribution to German art in bringing Italian Renaissance styles and ideas to Germany.^[9][10] Russell calls this «Opening the Gothic windows of German art,»^[9] while Gardner calls it Dürer’s «life mission.»^[10] Importantly, as Gardner points out, Dürer «was the first northern artist who fully understood the basic aims of the southern Renaissance,»^[10] although his style did not always reflect that. The same source says that Hans Holbein the Younger (1497–1543) successfully assimilated Italian ideas while also keeping «northern traditions of close realism.»^[11] This is contrasted with Dürer’s tendency to work in «his own native German style»^[10] instead of combining German and Italian styles. Other important artists of the German Renaissance were Matthias Grünewald, Albrecht Altdorfer and Lucas Cranach the Elder.^[12]

Artisans such as engravers became more concerned with aesthetics rather than just perfecting their crafts. Germany had master engravers, such as Martin Schongauer, who did metal engravings in the late 1400s. Gardner relates this mastery of the graphic arts to advances in printing which occurred in Germany, and says that metal engraving began to replace the woodcut during the Renaissance.^[13] However, some artists, such as Albrecht Dürer, continued to do woodcuts. Both Gardner and Russell describe the fine quality of Dürer’s woodcuts, with Russell stating in The World of Dürer that Dürer «elevated them into high works of art.»^[9]

Britain[edit]

Britain was very late to develop a distinct Renaissance style and most artists of the Tudor court were imported foreigners, usually from the Low Countries, including Hans Holbein the Younger, who died in England. One exception was the portrait miniature, which artists including Nicholas Hilliard developed into a distinct genre well before it became popular in the rest of Europe. Renaissance art in Scotland was similarly dependent on imported artists, and largely restricted to the court.

Themes and symbolism[edit]

Renaissance artists painted a wide variety of themes. Religious altarpieces, fresco cycles, and small works for private devotion were very popular. For inspiration, painters in both Italy and northern Europe frequently turned to Jacobus de Voragine’s Golden Legend (1260), a highly influential source book for the lives of saints that had already had a strong influence on Medieval artists. The rebirth of classical antiquity and Renaissance humanism also resulted in many mythological and history paintings. Ovidian stories, for example, were very popular. Decorative ornament, often used in painted architectural elements, was especially influenced by classical Roman motifs.

Techniques[edit]

• The use of proportion – The first major treatment of the painting as a window into space appeared in the work of Giotto di Bondone, at the beginning of the 14th century. True linear perspective was formalized later, by Filippo Brunelleschi and Leon Battista Alberti. In addition to giving a more realistic presentation of art, it moved Renaissance painters into composing more paintings.
• Foreshortening – The term foreshortening refers to the artistic effect of shortening lines in a drawing so as to create an illusion of depth.
• Sfumato – The term sfumato was coined by Italian Renaissance artist Leonardo da Vinci and refers to a fine art painting technique of blurring or softening of sharp outlines by subtle and gradual blending of one tone into another through the use of thin glazes to give the illusion of depth or three-dimensionality. This stems from the Italian word sfumare meaning to evaporate or to fade out. The Latin origin is fumare, to smoke.
• Chiaroscuro – The term chiaroscuro refers to the fine art painting modeling effect of using a strong contrast between light and dark to give the illusion of depth or three-dimensionality. This comes from the Italian words meaning light (chiaro) and dark (scuro), a technique which came into wide use in the Baroque period.

List of Renaissance artists[edit]

Italy[edit]

• Giotto di Bondone (1267–1337)
• Filippo Brunelleschi (1377–1446)
• Masolino (c. 1383 – c. 1447)
• Donatello (c. 1386 – 1466)
• Pisanello (c. 1395 – c. 1455)
• Fra Angelico (c. 1395 – 1455)
• Paolo Uccello (1397–1475)
• Masaccio (1401–1428)
• Leone Battista Alberti (1404–1472)
• Filippo Lippi (c. 1406 – 1469)
• Domenico Veneziano (c. 1410 – 1461)
• Piero della Francesca (c. 1415 – 1492)
• Andrea del Castagno (c. 1421 – 1457)
• Benozzo Gozzoli (c. 1421 – 1497)
• Alessio Baldovinetti (1425–1499)
• Antonio del Pollaiuolo (1429–1498)
• Antonello da Messina (c. 1430 – 1479)
• Giovanni Bellini (c.1430–1516)
• Andrea Mantegna (c. 1431 – 1506)
• Andrea del Verrocchio (c. 1435 – 1488)
• Giovanni Santi (1435–1494)
• Carlo Crivelli (c. 1435 – c. 1495)
• Donato Bramante (1444–1514)
• Sandro Botticelli (c. 1445 – 1510)
• Luca Signorelli (c. 1445 – 1523)
• Biagio d’Antonio (1446–1516)
• Pietro Perugino (1446–1523)
• Domenico Ghirlandaio (1449–1494)
• Leonardo da Vinci (1452–1519)
• Pinturicchio (1454–1513)
• Filippino Lippi (1457–1504)
• Andrea Solari (1460–1524)
• Piero di Cosimo (1462–1522)
• Vittore Carpaccio (1465–1526)
• Bernardino de’ Conti (1465–1525)
• Giorgione (c. 1473–1510)
• Michelangelo (1475–1564)
• Lorenzo Lotto (1480–1557)
• Raphael (1483–1520)
• Marco Cardisco (c. 1486 – c. 1542)
• Titian (c. 1488/1490 – 1576)
• Corregio (c. 1489 – 1534)
• Pietro Negroni (c. 1505 – c. 1565)
• Sofonisba Anguissola (c. 1532 – 1625)

Low Countries[edit]

• Hubert van Eyck (1366?–1426)
• Robert Campin (c. 1380 – 1444)
• Limbourg brothers (fl. 1385–1416)
• Jan van Eyck (1385?–1440?)
• Rogier van der Weyden (1399/1400–1464)
• Jacques Daret (c. 1404 – c. 1470)
• Petrus Christus (1410/1420–1472)
• Dirk Bouts (1415–1475)
• Hugo van der Goes (c. 1430/1440 – 1482)
• Hans Memling (c. 1430 – 1494)
• Hieronymus Bosch (c. 1450 – 1516)
• Gerard David (c. 1455 – 1523)
• Geertgen tot Sint Jans (c. 1465 – c. 1495)
• Quentin Matsys (1466–1530)
• Jean Bellegambe (c. 1470 – 1535)
• Joachim Patinir (c. 1480 – 1524)
• Adriaen Isenbrant (c. 1490 – 1551)

Germany[edit]

• Hans Holbein the Elder (c. 1460 – 1524)
• Matthias Grünewald (c. 1470 – 1528)
• Albrecht Dürer (1471–1528)
• Lucas Cranach the Elder (1472–1553)
• Hans Burgkmair (1473–1531)
• Jerg Ratgeb (c. 1480 – 1526)
• Albrecht Altdorfer (c. 1480 – 1538)
• Leonhard Beck (c. 1480 – 1542)
• Hans Baldung (c. 1480 – 1545)
• Wilhelm Stetter (1487–1552)
• Barthel Bruyn the Elder (1493–1555)
• Ambrosius Holbein (1494–1519)
• Hans Holbein the Younger (c. 1497 – 1543)
• Conrad Faber von Kreuznach (c. 1500 – c. 1553)
• Lucas Cranach the Younger (1515–1586)

France[edit]

• Enguerrand Quarton (c. 1410 – c. 1466)
• Barthélemy d’Eyck (c. 1420 – after 1470)
• Jean Fouquet (1420–1481)
• Simon Marmion (c. 1425 – 1489)
• Nicolas Froment (c. 1435 – c. 1486)
• Jean Hey (fl. c. 1475 – c. 1505)
• Jean Clouet (1480–1541)
• François Clouet (c. 1510 – 1572)

Portugal[edit]

• Grão Vasco (1475–1542)
• Gregório Lopes (1490–1550)
• Francisco de Holanda (1517–1585)
• Cristóvão Lopes (1516–1594)
• Cristóvão de Figueiredo (?-c.1543)
• Jorge Afonso (1470–1540)
• António de Holanda (1480–1571)
• Cristóvão de Morais
• Nuno Gonçalves (c. 1425 – c. 1491)
• Francisco Henriques (?–1518)
• Frei Carlos (?–1540)

Spain[edit]

• Jaume Huguet (1412–1492)
• Bartolomé Bermejo (c. 1440 – c. 1501)
• Paolo da San Leocadio (1447 – c. 1520)
• Pedro Berruguete (c. 1450 – 1504)
• Ayne Bru
• Juan de Flandes (c. 1460 – c. 1519)
• Luis de Morales (1512–1586)
• Alonso Sánchez Coello (1531–1588)
• El Greco (1541–1614)

Venetian Dalmatia (modern Croatia)[edit]

• Giorgio da Sebenico (c. 1410 – 1475)
• Niccolò di Giovanni Fiorentino (1418–1506)
• Andrea Alessi (1425–1505)
• Francesco Laurana (c. 1430 – 1502)
• Giovanni Dalmata (c. 1440 – c. 1514)
• Nicholas of Ragusa (1460? – 1517)
• Andrea Schiavone (c. 1510/1515 – 1563)

Works[edit]

• Ghent Altarpiece, by Hubert and Jan van Eyck
• The Arnolfini Portrait, by Jan van Eyck
• The Werl Triptych, by Robert Campin
• The Portinari Triptych, by Hugo van der Goes
• The Descent from the Cross, by Rogier van der Weyden
• Flagellation of Christ, by Piero della Francesca
• Spring, by Sandro Botticelli
• Lamentation of Christ, by Mantegna
• The Last Supper, by Leonardo da Vinci
• The School of Athens, by Raphael
• Sistine Chapel ceiling, by Michelangelo
• Equestrian Portrait of Charles V, by Titian
• Isenheim Altarpiece, by Matthias Grünewald
• Melencolia I, by Albrecht Dürer
• The Ambassadors, by Hans Holbein the Younger
• Melun Diptych, by Jean Fouquet
• Saint Vincent Panels, by Nuno Gonçalves

Major collections[edit]

• National Gallery, London, UK
• Museo del Prado, Madrid, Spain
• Uffizi, Florence, Italy
• Louvre, Paris, France
• National Gallery of Art, Washington, USA
• Gemäldegalerie, Berlin, Germany
• Rijksmuseum, Amsterdam
• Metropolitan Museum of Art, New York City, USA
• Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Belgium, Brussels
• Groeningemuseum, Bruges, Belgium
• Old St. John’s Hospital, Bruges, Belgium
• Bargello, Florence, Italy
• Château d’Écouen (National museum of the Renaissance), Écouen, France
• Vatican museums, Vatican city
• Pinacoteca di Brera, Milan, Italy

See also[edit]

References[edit]

External links[edit]

• The Early Renaissance (video on YouTube)
• «Limited Freedom», Marica Hall, Berfrois, 2 March 2011.

Renaissance art (1350 – 1620 AD^[1]) is the painting, sculpture, and decorative arts of the period of European history known as the Renaissance, which emerged as a distinct style in Italy in about AD 1400, in parallel with developments which occurred in philosophy, literature, music, science, and technology. Renaissance art took as its foundation the art of Classical antiquity, perceived as the noblest of ancient traditions, but transformed that tradition by absorbing recent developments in the art of Northern Europe and by applying contemporary scientific knowledge. Along with Renaissance humanist philosophy, it spread throughout Europe, affecting both artists and their patrons with the development of new techniques and new artistic sensibilities. For art historians, Renaissance art marks the transition of Europe from the medieval period to the Early Modern age.

The body of art, painting, sculpture, architecture, music and literature identified as «Renaissance art» was primarily produced during the 14th, 15th, and 16th centuries in Europe under the combined influences of an increased awareness of nature, a revival of classical learning, and a more individualistic view of man. Scholars no longer believe that the Renaissance marked an abrupt break with medieval values, as is suggested by the French word renaissance, literally meaning «rebirth». In many parts of Europe, Early Renaissance art was created in parallel with Late Medieval art.

Origins[edit]

Many influences on the development of Renaissance men and women in the early 15th century have been credited with the emergence of Renaissance art; they are the same as those that affected philosophy, literature, architecture, theology, science, government and other aspects of society. The following list presents a summary of changes to social and cultural conditions which have been identified as factors which contributed to the development of Renaissance art. Each is dealt with more fully in the main articles cited above. The scholars of Renaissance period focused on present life and ways improve human life. They did not pay much attention to medieval philosophy or religion. During this period, scholars and humanists like Erasmus, Dante and Petrarch criticized superstitious beliefs and also questioned them. ^[2] The concept of education also widened its spectrum and focused more on creating ‘an ideal man’ who would have a fair understanding of arts, music, poetry and literature and would have the ability to appreciate these aspects of life. During this period, there emerged a scientific outlook which helped people question the needless rituals of the church.

• Classical texts, lost to European scholars for centuries, became available. These included documents of philosophy, prose, poetry, drama, science, a thesis on the arts, and early Christian theology.
• Europe gained access to advanced mathematics, which had its provenance in the works of Islamic scholars.
• The advent of movable type printing in the 15th century meant that ideas could be disseminated easily, and an increasing number of books were written for a broader public.
• The establishment of the Medici Bank and the subsequent trade it generated brought unprecedented wealth to a single Italian city, Florence.
• Cosimo de’ Medici set a new standard for patronage of the arts, not associated with the church or monarchy.
• Humanist philosophy meant that man’s relationship with humanity, the universe and God was no longer the exclusive province of the church.
• A revived interest in the Classics brought about the first archaeological study of Roman remains by the architect Brunelleschi and sculptor Donatello. The revival of a style of architecture based on classical precedents inspired a corresponding classicism in painting and sculpture, which manifested itself as early as the 1420s in the paintings of Masaccio and Uccello.
• The improvement of oil paint and developments in oil-painting technique by Belgian artists such as Robert Campin, Jan van Eyck, Rogier van der Weyden and Hugo van der Goes led to its adoption in Italy from about 1475 and had ultimately lasting effects on painting practices worldwide.
• The serendipitous presence within the region of Florence in the early 15th century of certain individuals of artistic genius, most notably Masaccio, Brunelleschi, Ghiberti, Piero della Francesca, Donatello and Michelozzo formed an ethos out of which sprang the great masters of the High Renaissance, as well as supporting and encouraging many lesser artists to achieve work of extraordinary quality.^[3]
• A similar heritage of artistic achievement occurred in Venice through the talented Bellini family, their influential in-law Mantegna, Giorgione, Titian and Tintoretto.^[3][4][5]
• The publication of two treatises by Leone Battista Alberti, De pictura («On Painting») in 1435 and De re aedificatoria («Ten Books on Architecture») in 1452.

History[edit]

Proto-Renaissance in Italy, 1280–1400[edit]

In Italy in the late 13th and early 14th centuries, the sculpture of Nicola Pisano and his son Giovanni Pisano, working at Pisa, Siena and Pistoia shows markedly classicising tendencies, probably influenced by the familiarity of these artists with ancient Roman sarcophagi. Their masterpieces are the pulpits of the Baptistery and Cathedral of Pisa.

Contemporary with Giovanni Pisano, the Florentine painter Giotto developed a manner of figurative painting that was unprecedentedly naturalistic, three-dimensional, lifelike and classicist, when compared with that of his contemporaries and teacher Cimabue. Giotto, whose greatest work is the cycle of the Life of Christ at the Arena Chapel in Padua, was seen by the 16th-century biographer Giorgio Vasari as «rescuing and restoring art» from the «crude, traditional, Byzantine style» prevalent in Italy in the 13th century.

Early Renaissance in Italy, 1400–1495[edit]

Although both the Pisanos and Giotto had students and followers, the first truly Renaissance artists were not to emerge in Florence until 1401 with the competition to sculpt a set of bronze doors of the Baptistery of Florence Cathedral, which drew entries from seven young sculptors including Brunelleschi, Donatello and the winner, Lorenzo Ghiberti. Brunelleschi, most famous as the architect of the dome of Florence Cathedral and the Church of San Lorenzo, created a number of sculptural works, including a life-sized crucifix in Santa Maria Novella, renowned for its naturalism. His studies of perspective are thought to have influenced the painter Masaccio. Donatello became renowned as the greatest sculptor of the Early Renaissance, his masterpieces being his humanist and unusually erotic statue of David, one of the icons of the Florentine republic, and his great monument to Gattamelata, the first large equestrian bronze to be created since Roman times.

The contemporary of Donatello, Masaccio, was the painterly descendant of Giotto and began the Early Renaissance in Italian painting in 1425, furthering the trend towards solidity of form and naturalism of face and gesture that Giotto had begun a century earlier. From 1425–1428, Masaccio completed several panel paintings but is best known for the fresco cycle that he began in the Brancacci Chapel with the older artist Masolino and which had profound influence on later painters, including Michelangelo. Masaccio’s developments were carried forward in the paintings of Fra Angelico, particularly in his frescos at the Convent of San Marco in Florence.

The treatment of the elements of perspective and light in painting was of particular concern to 15th-century Florentine painters. Uccello was so obsessed with trying to achieve an appearance of perspective that, according to Giorgio Vasari, it disturbed his sleep. His solutions can be seen in his masterpiece set of three paintings, the Battle of San Romano, which is believed to have been completed by 1460. Piero della Francesca made systematic and scientific studies of both light and linear perspective, the results of which can be seen in his fresco cycle of The History of the True Cross in San Francesco, Arezzo.

In Naples, the painter Antonello da Messina began using oil paints for portraits and religious paintings at a date that preceded other Italian painters, possibly about 1450. He carried this technique north and influenced the painters of Venice. One of the most significant painters of Northern Italy was Andrea Mantegna, who decorated the interior of a room, the Camera degli Sposi for his patron Ludovico Gonzaga, setting portraits of the family and court into an illusionistic architectural space.

The end period of the Early Renaissance in Italian art is marked, like its beginning, by a particular commission that drew artists together, this time in cooperation rather than competition. Pope Sixtus IV had rebuilt the Papal Chapel, named the Sistine Chapel in his honour, and commissioned a group of artists, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio and Cosimo Rosselli to decorate its wall with fresco cycles depicting the Life of Christ and the Life of Moses. In the sixteen large paintings, the artists, although each working in his individual style, agreed on principles of format, and utilised the techniques of lighting, linear and atmospheric perspective, anatomy, foreshortening and characterisation that had been carried to a high point in the large Florentine studios of Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio and Perugino.

Early Netherlandish art, 1425–1525[edit]

The painters of the Low Countries in this period included Jan van Eyck, his brother Hubert van Eyck, Robert Campin, Hans Memling, Rogier van der Weyden and Hugo van der Goes. Their painting developed partly independently of Early Italian Renaissance painting, and without the influence of a deliberate and conscious striving to revive antiquity.

The style of painting grew directly out of medieval painting in tempera, on panels and illuminated manuscripts, and other forms such as stained glass; the medium of fresco was less common in northern Europe. The medium used was oil paint, which had long been utilised for painting leather ceremonial shields and accoutrements because it was flexible and relatively durable. The earliest Netherlandish oil paintings are meticulous and detailed like tempera paintings. The material lent itself to the depiction of tonal variations and texture, so facilitating the observation of nature in great detail.

The Netherlandish painters did not approach the creation of a picture through a framework of linear perspective and correct proportion. They maintained a medieval view of hierarchical proportion and religious symbolism, while delighting in a realistic treatment of material elements, both natural and man-made. Jan van Eyck, with his brother Hubert, painted The Altarpiece of the Mystical Lamb. It is probable that Antonello da Messina became familiar with Van Eyck’s work, while in Naples or Sicily. In 1475, Hugo van der Goes’ Portinari Altarpiece arrived in Florence, where it was to have a profound influence on many painters, most immediately Domenico Ghirlandaio, who painted an altarpiece imitating its elements.

A very significant Netherlandish painter towards the end of the period was Hieronymus Bosch, who employed the type of fanciful forms that were often utilized to decorate borders and letters in illuminated manuscripts, combining plant and animal forms with architectonic ones. When taken from the context of the illumination and peopled with humans, these forms give Bosch’s paintings a surreal quality which have no parallel in the work of any other Renaissance painter. His masterpiece is the triptych The Garden of Earthly Delights.

Early Renaissance in France, 1375–1528[edit]

The artists of France (including duchies such as Burgundy) were often associated with courts, providing illuminated manuscripts and portraits for the nobility as well as devotional paintings and altarpieces. Among the most famous were the Limbourg brothers, Flemish illuminators and creators of the Très Riches Heures du Duc de Berry manuscript illumination. Jean Fouquet, painter of the royal court, visited Italy in 1437 and reflects the influence of Florentine painters such as Paolo Uccello. Although best known for his portraits such as that of Charles VII of France, Fouquet also created illuminations, and is thought to be the inventor of the portrait miniature.

There were a number of artists at this date who painted famed altarpieces, that are stylistically quite distinct from both the Italian and the Flemish. These include two enigmatic figures, Enguerrand Quarton, to whom is ascribed the Pieta of Villeneuve-lès-Avignon, and Jean Hey, otherwise known as «the Master of Moulins» after his most famous work, the Moulins Altarpiece. In these works, realism and close observation of the human figure, emotions and lighting are combined with a medieval formality, which includes gilt backgrounds.

High Renaissance in Italy, 1495–1520[edit]

The «universal genius» Leonardo da Vinci was to further perfect the aspects of pictorial art (lighting, linear and atmospheric perspective, anatomy, foreshortening and characterisation) that had preoccupied artists of the Early Renaissance, in a lifetime of studying and meticulously recording his observations of the natural world. His adoption of oil paint as his primary media meant that he could depict light and its effects on the landscape and objects more naturally and with greater dramatic effect than had ever been done before, as demonstrated in the Mona Lisa (1503–1506). His dissection of cadavers carried forward the understanding of skeletal and muscular anatomy, as seen in the unfinished Saint Jerome in the Wilderness (c. 1480). His depiction of human emotion in The Last Supper, completed 1495–1498, set the benchmark for religious painting.

The art of Leonardo’s younger contemporary Michelangelo took a very different direction. Michelangelo in neither his painting nor his sculpture demonstrates any interest in the observation of any natural object except the human body. He perfected his technique in depicting it, while in his early twenties, by the creation of the enormous marble statue of David and the group Pietà, in the St Peter’s Basilica, Rome. He then set about an exploration of the expressive possibilities of the human anatomy. His commission by Pope Julius II to paint the Sistine Chapel ceiling resulted in the supreme masterpiece of figurative composition, which was to have profound effect on every subsequent generation of European artists.^[6] His later work, The Last Judgement, painted on the altar wall of the Sistine Chapel between 1534 and 1541, shows a Mannerist (also called Late Renaissance) style with generally elongated bodies which took over from the High Renaissance style between 1520 and 1530.

Standing alongside Leonardo and Michelangelo as the third great painter of the High Renaissance was the younger Raphael, who in a short lifespan painted a great number of life-like and engaging portraits, including those of Pope Julius II and his successor Pope Leo X, and numerous portrayals of the Madonna and Christ Child, including the Sistine Madonna. His death in 1520 at age 37 is considered by many art historians to be the end of the High Renaissance period, although some individual artists continued working in the High Renaissance style for many years thereafter.

In Northern Italy, the High Renaissance is represented primarily by members of the Venetian school, especially by the latter works of Giovanni Bellini, especially religious paintings, which include several large altarpieces of a type known as «Sacred Conversation», which show a group of saints around the enthroned Madonna. His contemporary Giorgione, who died at about the age of 32 in 1510, left a small number of enigmatic works, including The Tempest, the subject of which has remained a matter of speculation. The earliest works of Titian date from the era of the High Renaissance, including a massive altarpiece The Assumption of the Virgin which combines human action and drama with spectacular colour and atmosphere. Titian continued painting in a generally High Renaissance style until near the end of his career in the 1570s, although he increasingly used colour and light over line to define his figures.

German Renaissance art[edit]

German Renaissance art falls into the broader category of the Renaissance in Northern Europe, also known as the Northern Renaissance. Renaissance influences began to appear in German art in the 15th century, but this trend was not widespread. Gardner’s Art Through the Ages identifies Michael Pacher, a painter and sculptor, as the first German artist whose work begins to show Italian Renaissance influences. According to that source, Pacher’s painting, St. Wolfgang Forces the Devil to Hold His Prayerbook (c. 1481), is Late Gothic in style, but also shows the influence of the Italian artist Mantegna.^[7]

In the 1500s, Renaissance art in Germany became more common as, according to Gardner, «The art of northern Europe during the sixteenth century is characterized by a sudden awareness of the advances made by the Italian Renaissance and by a desire to assimilate this new style as rapidly as possible.»^[8] One of the best known practitioners of German Renaissance art was Albrecht Dürer (1471–1528), whose fascination with classical ideas led him to Italy to study art. Both Gardner and Russell recognized the importance of Dürer’s contribution to German art in bringing Italian Renaissance styles and ideas to Germany.^[9][10] Russell calls this «Opening the Gothic windows of German art,»^[9] while Gardner calls it Dürer’s «life mission.»^[10] Importantly, as Gardner points out, Dürer «was the first northern artist who fully understood the basic aims of the southern Renaissance,»^[10] although his style did not always reflect that. The same source says that Hans Holbein the Younger (1497–1543) successfully assimilated Italian ideas while also keeping «northern traditions of close realism.»^[11] This is contrasted with Dürer’s tendency to work in «his own native German style»^[10] instead of combining German and Italian styles. Other important artists of the German Renaissance were Matthias Grünewald, Albrecht Altdorfer and Lucas Cranach the Elder.^[12]

Artisans such as engravers became more concerned with aesthetics rather than just perfecting their crafts. Germany had master engravers, such as Martin Schongauer, who did metal engravings in the late 1400s. Gardner relates this mastery of the graphic arts to advances in printing which occurred in Germany, and says that metal engraving began to replace the woodcut during the Renaissance.^[13] However, some artists, such as Albrecht Dürer, continued to do woodcuts. Both Gardner and Russell describe the fine quality of Dürer’s woodcuts, with Russell stating in The World of Dürer that Dürer «elevated them into high works of art.»^[9]

Britain[edit]

Britain was very late to develop a distinct Renaissance style and most artists of the Tudor court were imported foreigners, usually from the Low Countries, including Hans Holbein the Younger, who died in England. One exception was the portrait miniature, which artists including Nicholas Hilliard developed into a distinct genre well before it became popular in the rest of Europe. Renaissance art in Scotland was similarly dependent on imported artists, and largely restricted to the court.

Themes and symbolism[edit]

Renaissance artists painted a wide variety of themes. Religious altarpieces, fresco cycles, and small works for private devotion were very popular. For inspiration, painters in both Italy and northern Europe frequently turned to Jacobus de Voragine’s Golden Legend (1260), a highly influential source book for the lives of saints that had already had a strong influence on Medieval artists. The rebirth of classical antiquity and Renaissance humanism also resulted in many mythological and history paintings. Ovidian stories, for example, were very popular. Decorative ornament, often used in painted architectural elements, was especially influenced by classical Roman motifs.

Techniques[edit]

• The use of proportion – The first major treatment of the painting as a window into space appeared in the work of Giotto di Bondone, at the beginning of the 14th century. True linear perspective was formalized later, by Filippo Brunelleschi and Leon Battista Alberti. In addition to giving a more realistic presentation of art, it moved Renaissance painters into composing more paintings.
• Foreshortening – The term foreshortening refers to the artistic effect of shortening lines in a drawing so as to create an illusion of depth.
• Sfumato – The term sfumato was coined by Italian Renaissance artist Leonardo da Vinci and refers to a fine art painting technique of blurring or softening of sharp outlines by subtle and gradual blending of one tone into another through the use of thin glazes to give the illusion of depth or three-dimensionality. This stems from the Italian word sfumare meaning to evaporate or to fade out. The Latin origin is fumare, to smoke.
• Chiaroscuro – The term chiaroscuro refers to the fine art painting modeling effect of using a strong contrast between light and dark to give the illusion of depth or three-dimensionality. This comes from the Italian words meaning light (chiaro) and dark (scuro), a technique which came into wide use in the Baroque period.

List of Renaissance artists[edit]

Italy[edit]

• Giotto di Bondone (1267–1337)
• Filippo Brunelleschi (1377–1446)
• Masolino (c. 1383 – c. 1447)
• Donatello (c. 1386 – 1466)
• Pisanello (c. 1395 – c. 1455)
• Fra Angelico (c. 1395 – 1455)
• Paolo Uccello (1397–1475)
• Masaccio (1401–1428)
• Leone Battista Alberti (1404–1472)
• Filippo Lippi (c. 1406 – 1469)
• Domenico Veneziano (c. 1410 – 1461)
• Piero della Francesca (c. 1415 – 1492)
• Andrea del Castagno (c. 1421 – 1457)
• Benozzo Gozzoli (c. 1421 – 1497)
• Alessio Baldovinetti (1425–1499)
• Antonio del Pollaiuolo (1429–1498)
• Antonello da Messina (c. 1430 – 1479)
• Giovanni Bellini (c.1430–1516)
• Andrea Mantegna (c. 1431 – 1506)
• Andrea del Verrocchio (c. 1435 – 1488)
• Giovanni Santi (1435–1494)
• Carlo Crivelli (c. 1435 – c. 1495)
• Donato Bramante (1444–1514)
• Sandro Botticelli (c. 1445 – 1510)
• Luca Signorelli (c. 1445 – 1523)
• Biagio d’Antonio (1446–1516)
• Pietro Perugino (1446–1523)
• Domenico Ghirlandaio (1449–1494)
• Leonardo da Vinci (1452–1519)
• Pinturicchio (1454–1513)
• Filippino Lippi (1457–1504)
• Andrea Solari (1460–1524)
• Piero di Cosimo (1462–1522)
• Vittore Carpaccio (1465–1526)
• Bernardino de’ Conti (1465–1525)
• Giorgione (c. 1473–1510)
• Michelangelo (1475–1564)
• Lorenzo Lotto (1480–1557)
• Raphael (1483–1520)
• Marco Cardisco (c. 1486 – c. 1542)
• Titian (c. 1488/1490 – 1576)
• Corregio (c. 1489 – 1534)
• Pietro Negroni (c. 1505 – c. 1565)
• Sofonisba Anguissola (c. 1532 – 1625)

Low Countries[edit]

• Hubert van Eyck (1366?–1426)
• Robert Campin (c. 1380 – 1444)
• Limbourg brothers (fl. 1385–1416)
• Jan van Eyck (1385?–1440?)
• Rogier van der Weyden (1399/1400–1464)
• Jacques Daret (c. 1404 – c. 1470)
• Petrus Christus (1410/1420–1472)
• Dirk Bouts (1415–1475)
• Hugo van der Goes (c. 1430/1440 – 1482)
• Hans Memling (c. 1430 – 1494)
• Hieronymus Bosch (c. 1450 – 1516)
• Gerard David (c. 1455 – 1523)
• Geertgen tot Sint Jans (c. 1465 – c. 1495)
• Quentin Matsys (1466–1530)
• Jean Bellegambe (c. 1470 – 1535)
• Joachim Patinir (c. 1480 – 1524)
• Adriaen Isenbrant (c. 1490 – 1551)

Germany[edit]

• Hans Holbein the Elder (c. 1460 – 1524)
• Matthias Grünewald (c. 1470 – 1528)
• Albrecht Dürer (1471–1528)
• Lucas Cranach the Elder (1472–1553)
• Hans Burgkmair (1473–1531)
• Jerg Ratgeb (c. 1480 – 1526)
• Albrecht Altdorfer (c. 1480 – 1538)
• Leonhard Beck (c. 1480 – 1542)
• Hans Baldung (c. 1480 – 1545)
• Wilhelm Stetter (1487–1552)
• Barthel Bruyn the Elder (1493–1555)
• Ambrosius Holbein (1494–1519)
• Hans Holbein the Younger (c. 1497 – 1543)
• Conrad Faber von Kreuznach (c. 1500 – c. 1553)
• Lucas Cranach the Younger (1515–1586)

France[edit]

• Enguerrand Quarton (c. 1410 – c. 1466)
• Barthélemy d’Eyck (c. 1420 – after 1470)
• Jean Fouquet (1420–1481)
• Simon Marmion (c. 1425 – 1489)
• Nicolas Froment (c. 1435 – c. 1486)
• Jean Hey (fl. c. 1475 – c. 1505)
• Jean Clouet (1480–1541)
• François Clouet (c. 1510 – 1572)

Portugal[edit]

• Grão Vasco (1475–1542)
• Gregório Lopes (1490–1550)
• Francisco de Holanda (1517–1585)
• Cristóvão Lopes (1516–1594)
• Cristóvão de Figueiredo (?-c.1543)
• Jorge Afonso (1470–1540)
• António de Holanda (1480–1571)
• Cristóvão de Morais
• Nuno Gonçalves (c. 1425 – c. 1491)
• Francisco Henriques (?–1518)
• Frei Carlos (?–1540)

Spain[edit]

• Jaume Huguet (1412–1492)
• Bartolomé Bermejo (c. 1440 – c. 1501)
• Paolo da San Leocadio (1447 – c. 1520)
• Pedro Berruguete (c. 1450 – 1504)
• Ayne Bru
• Juan de Flandes (c. 1460 – c. 1519)
• Luis de Morales (1512–1586)
• Alonso Sánchez Coello (1531–1588)
• El Greco (1541–1614)

Venetian Dalmatia (modern Croatia)[edit]

• Giorgio da Sebenico (c. 1410 – 1475)
• Niccolò di Giovanni Fiorentino (1418–1506)
• Andrea Alessi (1425–1505)
• Francesco Laurana (c. 1430 – 1502)
• Giovanni Dalmata (c. 1440 – c. 1514)
• Nicholas of Ragusa (1460? – 1517)
• Andrea Schiavone (c. 1510/1515 – 1563)

Works[edit]

• Ghent Altarpiece, by Hubert and Jan van Eyck
• The Arnolfini Portrait, by Jan van Eyck
• The Werl Triptych, by Robert Campin
• The Portinari Triptych, by Hugo van der Goes
• The Descent from the Cross, by Rogier van der Weyden
• Flagellation of Christ, by Piero della Francesca
• Spring, by Sandro Botticelli
• Lamentation of Christ, by Mantegna
• The Last Supper, by Leonardo da Vinci
• The School of Athens, by Raphael
• Sistine Chapel ceiling, by Michelangelo
• Equestrian Portrait of Charles V, by Titian
• Isenheim Altarpiece, by Matthias Grünewald
• Melencolia I, by Albrecht Dürer
• The Ambassadors, by Hans Holbein the Younger
• Melun Diptych, by Jean Fouquet
• Saint Vincent Panels, by Nuno Gonçalves

Major collections[edit]

• National Gallery, London, UK
• Museo del Prado, Madrid, Spain
• Uffizi, Florence, Italy
• Louvre, Paris, France
• National Gallery of Art, Washington, USA
• Gemäldegalerie, Berlin, Germany
• Rijksmuseum, Amsterdam
• Metropolitan Museum of Art, New York City, USA
• Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Belgium, Brussels
• Groeningemuseum, Bruges, Belgium
• Old St. John’s Hospital, Bruges, Belgium
• Bargello, Florence, Italy
• Château d’Écouen (National museum of the Renaissance), Écouen, France
• Vatican museums, Vatican city
• Pinacoteca di Brera, Milan, Italy

See also[edit]

References[edit]

External links[edit]

• The Early Renaissance (video on YouTube)
• «Limited Freedom», Marica Hall, Berfrois, 2 March 2011.

Искусство
эпохи Возрождения

Эпоха
Возрождения
– это время расцвета всех искусств, в
том числе и театра, и литературы, и
музыки, но, несомненно, главным среди
них, наиболее полно выразившим дух
своего времени, было изобразительное
искусство.

Неслучайно
существует теория, что Возрождение
началось с того, что художники перестали
удовлетворяться рамками господствовавшего
«византийского» стиля и в поисках
образцов для своего творчества первыми
обратились к
античности.
Термин «Renissance» (Возрождение) был введен
мыслителем и художником самой эпохи
Джорджо Вазари («Жизнеописание знаменитых
живописцев, ваятелей и зодчих»). Так он
назвал время с 1250 по 1550 гг. С его точки
зрения это было время возрождения
античности. Для Вазари античность
предстает идеальным образом.

В
дальнейшем содержание термина
эволюционировало. Возрождение стало
означать эмансипацию науки и искусства
от богословия, охлаждение к христианской
этике, зарождение национальных литератур,
стремление человека к свободе от
ограничений католической церкви. То
есть Возрождение, в сущности, стало
означать
гуманизм.

ВОЗРОЖДЕНИЕ,
РЕНЕССАНС
(фр. renais sance – возрождение) – одна из
величайших эпох, переломный этап в
развитии мирового искусства между
средними веками и новым, временем. Эпоха
Возрождения охватывает XIV- XVI вв. в Италии,
XV-XVI вв. в других странах Европы. Свое
название – Возрождение (или Ренессанс)
– этот период в развитии культуры
получил в связи с возрождением интереса
к античному искусству. Однако художники
этого времени не только копировали
старые образцы, но и вкладывали в них
качественно новое содержание. Ренессанс
не следует считать художественным
стилем или направлением, так как в эту
эпоху существовали различные художественные
стили, направления, течения. Эстетический
идеал эпохи Возрождения складывался
на основе нового прогрессивного
мировоззрения – гуманизма. Реальный
мир и человек провозглашались высшей
ценностью: Человек – мера всех вещей.
Особенно возросла роль творческой
личности.

Гуманистический
пафос эпохи наилучшим образом воплотился
в искусстве, которое, как и в предшествующие
века, ставило своей целью дать картину
мироздания. Новым было то, что материальное
и духовное пытались объединить в одно
целое. Трудно было найти человека,
равнодушного к искусству, но предпочтение
отдавали изобразительному искусству
и архитектуре.

Итальянская
живопись XV в. в основном монументальная
(фрески). Живопись занимает ведущее
место среди видов изобразительного
искусства. Она наиболее полно соответствует
ренессансному принципу «подражать
природе». Новая изобразительная система
складывается на основе изучения натуры.
В развитие понимания объема, его передачи
с помощью светотени внес достойный
вклад художник Мазаччо. Открытие и
научное обоснование законов линейной
и воздушной перспективы значительным
образом повлияли на дальнейшую судьбу
европейской живописи. Формируется новый
пластический язык скульптуры, его
основоположником был Донателло. Он
возродил свободно стоящую круглую
статую. Его лучшее произведение –
скульптура Давида (Флоренция).

В
архитектуре воскрешаются принципы
античной ордерной системы, поднимается
значение пропорций, складываются новые
типы зданий (городской дворец, загородная
вилла и др.), разрабатываются теория
архитектуры и концепция идеального
города. Архитектор Брунеллески построил
здания, в которых соединил античное
понимание архитектуры и традиции поздней
готики, добиваясь новой образной
одухотворенности архитектуры, неизвестной
древним. В период высокого Возрождения
новое мировоззрение наилучшим образом
воплотилось в творчестве художников,
которых с полным правом называют гениями:
Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело,
Джорджоне и Тициана. Последние две трети
XVI в. называют поздним Возрождением. В
это время кризис охватывает искусство.
Оно становится регламентированным,
придворным, утрачивает теплоту и
естественность. Однако отдельные великие
художники – Тициан, Тинторетто продолжают
создавать шедевры в этот период.

Итальянское
Возрождение оказало огромное влияние
на искусство Франции, Испании, Германии,
Англии, России.

Подъем
в развитии искусства Нидерландов,
Франции и Германии (XV-XVI вв.) называют
северным Возрождением. Творчество
живописцев Ян ван Эйка, П. Брейгеля
Старшего – вершины этого периода
развития искусства. В Германии величайшим
художником немецкого Возрождения был
А. Дюрер.

Открытия,
совершенные в эпоху Возрождения в
области духовной культуры и искусства,
имели огромное историческое значение
для развития европейского искусства
последующих веков. Интерес к ним
сохраняется и в наше время.

Эпоха
Возрождения в Италии прошла несколько
этапов: раннее Возрождение, высокое
Возрождение, позднее Возрождение.
Родиной Возрождения стала Флоренция.
Основы нового искусства разрабатывали
живописец Мазаччо, скульптор Донателло,
архитектор Ф. Брунеллески.

Первым
картины вместо икон впервые стал
создавать крупнейший мастер Проторенессанса
Джотто.
Он первым стремился христианские
этические идеи передавать через
изображение реальных человеческих
чувств и переживаний, заменил символику
изображением реального пространства
и конкретных предметов. На знаменитых
фресках Джотто в капелле
дель Арена в Падуе
можно увидеть рядом со святыми совсем
необычные персонажи: пастухов или пряху.
Каждое отдельное лицо в Джотто выражает
вполне определенные переживания,
определенный характер.

В
эпоху раннего Возрождения в искусстве
происходит освоение античного
художественного наследия, формируются
новые этические идеалы, художники
обращаются к достижениям науки
(математики, геометрии, оптики, анатомии).
Ведущую роль в формировании идейных и
стилевых принципов искусства раннего
Возрождения играет
Флоренция.
В образах, созданных такими мастерами,
как Донателло, Верроккьо, доминируют
конная статуя кондотьера Гаттамелаты

Давид»
Донателло героические и патриотические
начала («Св. Георгий» и «Давид» Донателло
и «Давид» Верроккьо).

Основоположником
ренессансной живописи является Мазаччо
(росписи капеллы Бранкаччи, «Троица»),
Мазаччо умел передавать глубину
пространства, связывал фигуру и пейзаж
единым композиционным замыслом, придавал
отдельным лицам портретную выразительность.

Но
становление и эволюция живописного
портрета, отражавшего интерес
возрожденческой культуры к человеку,
связаны с именами художников Умрбийской
школы: Пьеро
делла Франческа, Пинтуриккьо.

Особняком
в эпоху раннего Возрождения стоит
творчество художника Сандро
Боттичелли.
Созданные им образы одухотворены и
поэтичны. Исследователи отмечают
отвлеченность и утонченный интеллектуализм
в работах художника, его стремление к
созданию мифологических композиций с
усложненным и зашифрованным содержанием
(«Весна», «Рождение Венеры»).Один из
жизнеописателей Боттичелли говорил,
что его мадонны и венеры производят
впечатление утраты, вызывая в нас чувство
неизгладимой печали… Одни из них
утратили небо, другие – землю.

«Весна»
«Рождение
Венеры»

Кульминацией
в развитии идейно-художественных
принципов итальянского Ренессанса
становится Высокое
Возрождение.
Основоположником искусства Высокого
Возрождения считается Леонардо да Винчи
– великий художник и ученый.

Он
создал целый ряд шедевров: «Мона Лиза»
(«Джоконда») Строго говоря, самое лицо
Джоконды отличается сдержанностью и
спокойствием, в нем едва заметна та
улыбка, которая создала ей мировую славу
и которая позднее стала непременной
принадлежностью произведений школы
Леонардо. Но в мягко тающей дымке,
окутывающей лицо и фигуру, Леонардо
удалось дать почувствовать беспредельную
изменчивость человеческой мимики. Хотя
глаза Джоконды внимательно и спокойно
смотрят на зрителя, благодаря затененности
ее глазных впадин можно подумать, будто
они чуть хмурятся; губы ее сжаты, но
около их уголков намечаются едва уловимые
тени, которые заставляют поверить, что
каждую минуту они разомкнутся, улыбнутся,
заговорят. Самый контраст между
пристальным взглядом и полуулыбкой на
устах дает понятие о противоречивости
ее переживаний. Не напрасно Леонардо
мучил свою модель долгими сеансами. Как
никто другой, он сумел передать в этой
картине тени, оттенки и полутона, и они
рождают ощущение трепетной жизни.
Недаром Вазари казалось, что на шее у
Джоконды видно, как бьется жилка.

В
портрете Джоконды Леонардо не только
в совершенстве передал тело и окутывающую
его воздушную среду. Он вложил в него
еще понимание того, что требуется глазу,
чтобы картина производила гармоническое
впечатление, вот почему все выглядит
так, будто формы закономерно рождаются
одна из другой, как это бывает в музыке,
когда напряженный диссонанс разрешается
благозвучным аккордом. Джоконда
превосходно вписана в строго
пропорциональный прямоугольник, полу
фигура ее образует нечто целое, сложенные
руки придают ее образу завершенность.
Теперь, конечно, не могло быть и речи о
причудливых завитках раннего
«Благовещения». Впрочем, как ни
смягчены все контуры, волнистая прядь
волос Джоконды созвучна прозрачной
вуали, а брошенная через плечо свесившаяся
ткань находит себе отзвук в плавных
извивах далекой дороги. Во всем этом
Леонардо проявляет свое умение творить
согласно законам ритма и гармонии.
«С
точки зрения техники исполнения, Мона
Лиза всегда считалась чем-то необъяснимым.
Теперь, думаю, я могу ответить на эту
загадку», – говорит Франк. По его словам,
Леонардо использовал разработанную им
технику «сфумато» (итальянское «sfumato»,
буквально – «исчезнувший, как дым»).
Прием состоит в том, что предметы на
картинах должны не иметь четких границ,
все должно быть плавно переходящим одно
в другое, очертаний предметов смягчены
с помощью окружающей их свето-воздушной
дымки. Основная сложность этой техники
заключается в мельчайших мазках (около
четверти миллиметров), не доступных для
распознания ни под микроскопом, ни с
помощью рентгена. Таким образом, для
написания картины да Винчи потребовалось
несколько сотен сеансов. Изображение
Джоконды состоит приблизительно из 30
слоев жидкой, почти прозрачной масляной
краски. Для такой ювелирной работы,
художнику, по-видимому, приходилось
использовать лупу. Возможно, применение
такой трудоемкой техники, объясняет
долгое время работы над портретом –
почти 4 год.

,
«Тайная
вечеря»
производит неизгладимое впечатление.
На стене, как бы преодолевая ее и унося
зрителя в мир гармонии и величественных
видений, развертывается древняя
евангельская драма обманутого доверия.
И драма эта находит свое разрешение в
общем порыве, устремленном к главному
действующему лицу – мужу со скорбным
лицом, который принимает свершающееся
как неизбежное. Христос только что
сказал своим ученикам: «Один из вас
предаст меня». Предатель сидит вместе
с другими; старые мастера изображали
Иуду сидящим отдельно, но Леонардо
выявил его мрачную обособленность куда
более убедительно, тенью окутав его
черты. Христос покорен своей судьбе,
исполнен сознания жертвенности своего
подвига. Его наклоненная голова с
опущенными глазами, жест рук бесконечно
прекрасны и величавы. Прелестный пейзаж
открывается через окно за его фигурой.
Христос – центр всей композиции, всего
того водоворота страстей, которые бушуют
вокруг. Печаль его и спокойствие как бы
извечны, закономерны – и в этом глубокий
смысл показанной драмы.Он искал источники
совершенных форм искусства в природе,
но именно его Н. Бердяев считает
ответственным за грядущий процесс
машинизации и механизации человеческой
жизни, который оторвал человека от
природы.

Классической
гармонии живопись достигает в творчестве
Рафаэля.
Его искусство эволюционирует от ранних
холодновато-отстраненных умбрийских
образов мадонн («Мадонна Конестабиле»)
к миру «счастливого христианства»
флорентийских и римских произведений.
«Мадонна с щегленком» и «Мадонна в
кресле» мягки, человечны и даже обыденны
в своей человечности.

Но
величествен образ «Сикстинской мадонны»,
символически соединяющий небесный и
земной миры. Более всего Рафаэль известен
как создатель нежных образов мадонн.
Но в живописи он воплотил и идеал
возрожденческого универсального
человека (портрет Кастильоне), и драматизм
исторических событий.
«Сикстинская
мадонна» (ок. 1513, Дрезден, Картинная
галерея) — одно из самых вдохновенных
произведений художника. Написанная как
алтарный образ для церкви монастыря
св. Сикста в Пьяченце, картина эта по
замыслу, композиции и интерпретации
образа существенно отличается от
«Мадонн» флорентийского периода. Вместо
интимного и земного изображения
прекрасной юной девы, снисходительно
следящей за забавами двух малышей, здесь
перед нами словно внезапно возникшее
в небесах из-за отдернутого кем-то
занавеса чудесное видение. Окруженная
золотистым сиянием, торжественная и
величественная шествует по облакам
Мария, держа перед собой младенца Христа.
Слева и справа перед ней преклоняют
колени св. Сикст и св. Варвара. Симметричная,
строго уравновешенная композиция,
четкость силуэта и монументальная
обобщенность форм придают «Сикстинской
мадонне» особенное величие.

В
этой картине Рафаэлю, может быть, в
большей мере, чем где-либо, удалось
сочетать жизненную правдивость образа
с чертами идеального совершенства.
Образ мадонны сложен. Трогательная
чистота и наивность совсем еще юной
женщины сочетаются в нем с твердой
решимостью и героической готовностью
к жертве. Эта героика роднит образ
мадонны с лучшими традициями итальянского
гуманизма. Сочетание в этой картине
идеального и реального заставляет
вспомнить известные слова Рафаэля из
письма к его другу Б. Кастильоне. «И я
скажу Вам, — писал Рафаэль, — что для
того, чтобы написать красавицу, мне надо
видеть многих красавиц … но ввиду
недостатка … в красивых женщинах, я
пользуюсь некоторой идеей, которая
приходит мне на ум. Имеет ли она какое-либо
совершенство, я не знаю, но очень стараюсь
его достигнуть». Эти слова проливают
свет на творческий метод художника.
Исходя из реальности и опираясь на нее,
он вместе с тем стремится поднять образ
над всем случайным и преходящим.

Микеланджело
(1475-1564) — несомненно один из наиболее
вдохновенных художников в истории
искусства и, наравне с Леонардо Да Винчи,
наиболее мощная фигура итальянского
высокого возрождения. Как скульптор,
архитектор, живописец и поэт, Микеланджело
оказал огромное влияние на своих
современников и на последующее Западное
искусство вообще.

Он
считал себя флорентийцем — хотя родился
6 марта 1475 года в маленькой деревне
Капрезе около города Ареццо. Микеланджело
глубоко любил свой город, его искусство,
культуру и пронес эту любовь до конца
своих дней. Он провел большую часть
зрелых лет в Риме, работая по заказам
римских пап; однако оставил завещание,
в соответствие с которым тело его было
погребено во Флоренции, в прекрасной
гробнице в церкви Санта Кроче.

Микеланджело
выполнил мраморную скульптуру Пиета
(Оплакивание Христа) (1498-1500), которая до
сих пор находится в первоначальном
месте — в Соборе Св. Петра. Это одна из
наиболее известных работ в истории
мирового искусства. Пиета была, вероятно,
закончен Микеланджело прежде, чем ему
исполнилось 25 лет. Это -единственная
работа, которую он подписал. Молодая
Мария изображена с мертвым Христом на
коленях — образ, заимствованный из
североевропейского искусства. Взгляд
Марии не настолько печален, насколько
торжественен. Это высшая точка творчества
молодого Микеланджело.

Не
менее значимой работой молодого
Микеланджело стало гигантское (4.34 м)
мраморное изображение Давида
( Академия, Флоренция), выполненное между
1501 и 1504, после возвращения во Флоренцию.
Герой Ветхого Завета изображен
Микеланджело в виде красивого,
мускулистого, обнаженного юноши, который
с тревогой смотрит вдаль, как будто
оценивая своего врага — Голиаф, с которым
ему предстоит биться. Живое, напряженное
выражение лица Давида характерно для
многих работ Микеланджело — это признак
его индивидуальной скульптурной манеры.
Давид, наиболее известная скульптура
Микеланджело, стала символом Флоренции
и первоначально была помещена на Пьяцца
делла Синьория перед Палаццо Веккьо,
флорентийской ратушей. Этой статуей
Микеланджело доказал своим современникам,
что он не только превзошел всех современных
ему художников, но также мастеров
античности.

Роспись
свода Сикстинской Капеллы В
1505 году Микеланджело был вызван в Риму
к Римскому Папе Юлию II для выполнения
двух заказов. Наиболее важной была
фресковая роспись свода Сикстинской
Капеллы. Работая лежа на высоких лесах
прямо под потолком, Микеланджело в
период с 1508 по 1512 год создал самые
прекрасные иллюстрации к некоторым
библейским сказаниям. На своде папской
часовни он изобразил девять сюжетов из
Книги Бытия, начиная с Отделения Света
от Тьмы и включая Создание Адама, Создание
Евы, Искушение и Грехопадение Адама и
Евы, и Вселенский потоп. Вокруг основных
картин чередуются изображения пророков
и сивилл на мраморных тронах, другие
старозаветные персонажи и праотцы
Христа.

Для
подготовки к этой великой работе
Микеланджело выполнил огромное количество
эскизов и картонов, на которых изобразил
фигуры натурщиков в самых разных позах.
Эти царственные, могущественные образы
доказывают мастерское понимание
художником человеческой анатомии и
движения, что дало толчок новому
направлению в западно-европейском
искусстве.

Две
других превосходных статуи, Скованный
пленник и Смерть Раба
(обе ок. 1510-13 ) находятся в Лувре, Париж.
Они демонстрируют подход Микеланджело
к скульптуре. По его мнению, фигуры
просто заключены внутри мраморного
блока, и задача художника — освободить
их, удалив избыток камня. Часто Микеланджело
оставлял скульптуры незаконченными —
либо потому, что они становились не
нужны, либо просто потому, что они теряли
для художника свой интерес.

Библиотека
Сан Лоренцо Проект гробницы Юлия II
требовал архитектурной проработки, но
серьезная работа Микеланджело на
архитектурном поприще началась только
в 1519 году, когда ему был заказан фасад
Библиотеки Св. Лаврентия во Флоренции,
куда художник снова вернулся (проект
этот так и не был осуществлен). В 1520-х
годах он также разработал и изящный
входной зал Библиотеки, примыкающий к
церкви Сан Лоренцо. Сооружения эти были
закончены только через несколько
десятилетий после смерти автора.

Микеланджело,
приверженец республиканской фракции,
участвовал в 1527-29 годах в войне против
Медичи. В круг его обязанностей входили
строительство и реконструкция
фортификационных укреплений Флоренции.

Капеллы
Медичи . Прожив
во Флоренции в течение довольно
длительного периода, Микеланджело
выполнил между 1519 и 1534 годами заказ
семейства Медичи на возведение двух
гробниц в новой ризнице церкви Сан
Лоренцо. В зале с высоким купольным
сводом художник воздвиг у стен две
великолепные усыпальницы, предназначенные
для Лоренцо Де Медичи, герцога Урбино
и для Джулиано Де Медичи, герцога
Немурского. Две сложных могилы задумывались
как представление противоположных
типов: Лоренцо — личность, заключенная
сама в себе, человек задумчивый, замкнутый;
Джулиано, наоборот, активный, открытый.
Над могилой Лоренцо скульптор поместил
аллегорические скульптуры Утра и Вечера,
а над могилой Джулиано — аллегории Дня
и Ночи. Работа над гробницами Медичи
продолжалась и после того, как в 1534 году
Микеланджело возвратился в Рим. Больше
он никогда не бывал в своем любимом
городе.

Страшный
суд

С
1536 по 1541 год Микеланджело работал в Риме
над росписью алтарной стены Сикстинской
капеллы в Ватикане. Самая большая фреска
Эпохи Возрождения изображает день
Страшного суда.Христос, с огненной
молнией в руке, неумолимо разделяет
всех жителей земли на спасенных
праведников, изображенных в левой части
композиции, и грешников, спускающихся
в Дантов ад (левая часть фрески). Строго
следуя собственной традиции, Микеланджело
изначально нарисовал все цифры
обнаженными, но десятилетием позже
какой-то художник-пуританин «одел»
их, поскольку культурный климат стал
более консервативным. Микеланджело
оставил на фреске собственный автопортрет
— его лицо с легкостью угадывается на
коже, содранной со Св. Мученика Апостола
Варфоломея.

Хотя
в этот период Микеланджело имел и другие
живописные заказы, как, например, роспись
капеллы Св. Апостола Павла (1940), в первую
очередь он старался отдавать все силы
архитектуре.

Купол
Собора Св. Петра . В
1546 году Микеланджело был назначен
главным архитектором строящегося Собора
Св. Петра в Ватикане. Здание было построено
согласно плану Донато Браманте, но
Микеланджело в конечном счете стал
ответственным за сооружение алтарной
абсиды и за разработку инженерного и
художественного решения купола собора.
Завершение строительства Собора Св.
Петра стало высшим достижением
флорентийского мастера в области
архитектуры. В течение своей длинной
жизни Микеланджело был близким другом
принцев и римских пап, от Лоренцо Де
Медичи до Льва X, Климента VIII, и Пия III, а
также многих кардиналов, живописцев и
поэтов. Характер художника, его жизненную
позицию трудно однозначно понять через
его произведения — настолько они
разнообразны. Разве что в поэзии, в
собственных стихах Микеланджело чаще
и глубже обращался к вопросам творчества
и своего места в искусстве. Большое
место в его стихах отведено тем проблемам
и затруднениям, с которыми ему пришлось
столкнуться в своей работе, и личным
отношениям с наиболее видными
представителями той эпохи.
Один
из известнейших поэтов Эпохи Возрождения
Лодовико Ариосто написал эпитафию для
этого известного художника: » Микеле
больше чем смертный, он — божественный
ангел».